My One Thousand Movies

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2012-01-19T21:08:00.002Z

Hoje foi um dia muito triste para os seguidores do My One Thousand Movies.
Se esta notícia for mesmo para a frente, as coisas irão mudar muito. Como sabem todos os filmes do MOTM estavam no megaupload.
Uma base de dados de quase 2700 filmes desapareceu no espaço. Não sei como irá ser o futuro, mas a minha previsão não é das melhores...
Espero que tenham valido a pena estes 3 anos e meio que o site durou...até agora!

ABC da Greve (ABC da Greve) 1990

2012-01-19T20:54:00.000Z

ABC da Greve cobre os acontecimentos na região do ABC paulista, acompanhando a trajetória do movimento de 150 mil metalúrgicos em luta por melhores salários e condições de vida. Sem obter êxito nas suas reivindicações, decidem-se pela greve, afrontando o governo militar. Este responde com uma intervenção no sindicato da categoria. Mobilizando um numeroso contingente policial, o governo inicia uma grande operação de repressão. Sem espaço para realizar as suas assembleias, os trabalhadores são acolhidos pela igreja. Passados 45 dias, patrões e empregados chegam a um acordo. Mas o movimento sindical nunca mais foi o mesmo.
Em 1979, enquanto escrevia com Gianfrancesco Guarnieri o argumento do filme Eles não usam black‐tie (1981), Leon Hirszman viu-se surpreendido com a primeira greve geral depois da implantação do AI‐5 pelo regime militar. No dia 13 de março, véspera da posse do general Figueiredo à presidência, cerca de 150 mil operários cruzaram os braços e interromperam a produção metalúrgica: conduzidos pelo sindicato, reivindicavam, principalmente, um ajuste salarial maior do que aquele proposto pelos órgãos oficiais do governo e das indústrias. Como cineasta comprometido desde cedo com as causas populares, percebendo a importância de um movimento grevista forte o suficiente para se opor aos militares no poder, Hirszman decidiu interromper os trabalhos preparatórios de Black‐tie para se envolver no registo cinematográfico da mobilização operária.
Em entrevista concedida no dia 3 de abril de 1979, publicada apenas em 1990 com o título “O espião de Deus”, Hirszman explica que a realização do documentário, além de ajudar na composição dos personagens e situações de Eles não usam black‐tie, tinha por objetivo principal servir à causa dos grevistas, à classe popular que, em sua opinião, adquiria naquele momento consciência inédita da sua força política. Ao fazer do seu filme a memória da greve geral, o realizador procurava integrar-se no próprio processo de mobilização política, desejando que o seu documentário, posteriormente chamado de ABC da greve, mobilizasse o debate público na passagem para a década de 1980.
Infelizmente, o filme não foi acabado antes da morte prematura de Leon, em 1987. Entre 1989 e 1990, seguindo as indicações deixadas pelo falecido e regressando a edição que iniciara há alguns anos, o fotógrafo inglês Adrian Cooper concluiu o projeto. Lançado em 1991, na Cinemateca Brasileira, o filme, que não seria exibido no circuito comercial das salas de cinema, perdeu a intenção inicial de provocar o debate público no tempos de abertura para se transformar em registo de um passado recente, para vir à tona em um momento no qual o “novo sindicalismo” adquiriu projecção nacional com o Partido dos Trabalhadores e a primeira
disputa de Lula à presidência.

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Nelson Cavaquinho (Nelson Cavaquinho) 1969

2012-01-19T20:27:00.000Z

Nelson Cavaquinho documentário a preto e branco e 35mm sobre o famoso sambista. Rodado em 1969 pela lente de Leon Hirszman, um Nelson Cavaquinho de 59 anos de idade é apanhado a divagar as suas impressões sobre a música e a vida na sua casa, no dia-a-dia tranquilo de Bangu, caminhando pela vizinhança, e principalmente, cantando com sua embargada voz, o indefectível dedilhar do seu violão (tão irresistível de se imitar, para quem é violonista) e um olhar comovente que consolida de vez o caráter comovente da sua poesia popular.
Essa poesia, por sinal, é o principal meio utilizado por Nelson para expressar os valores da sua personalidade altruísta a cantar o samba Caridade, onde confessa: “não sei negar esmola a quem implora a caridade, me compadeço sempre de quem tem necessidade”. Ou também para dissipar as suas perspectivas sombrias a respeito da morte como em Eu e as flores: “Quando eu passo perto das flores quase elas dizem assim: Vai que amanhã enfeitaremos o seu fim”; ou do conselho dado no samba Revertério “Do pó vieste e para o pó irás, neste planeta tudo se desfaz; não deves sorrir do mal-estar de alguém porque o teu castigo chegará também”.
As intervenções musicais do próprio Nelson são bem à vontade, sem camisa, na sua casa ou a beber, com o seu violão, é o que o filme reserva de mais bonito.

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Cidadão Boilesen (Cidadão Boilesen) 2009

2012-01-17T20:51:00.000Z

Henning Albert Boilesen foi uma personagem-chave na ditadura brasileira. Um empresário dinamarquês naturalizado brasileiro, era conhecido entre os seus amigos como uma pessoa alegre, agradável, afável. Para a ditadura, ele foi o responsável por recolher as contribuições do sector privado para financiar a Operação Bandeirantes, uma das acções mais violentas da história brasileira. Foi acusado de não apenas financiar a tortura, como estaria presente nas sessões. O documentário de Chaim Litewski , mais do que investigar o factor histórico, focou-se na pessoa, e em todos os aspectos que ela trazia.
Cidadão Boilesen é um filme multifacetado, assim como uma personagem que investiga. Ele tem a sua quota parte de filme denúncia, e não podemos negar que é eficiente em despertar o público para a questão da tortura no Brasil durante a ditadura militar, e em como muito pouco foi feito em relação a isso. Ao mesmo tempo, é um filme que mostra um panorama histórico sobre uma determinada época da política brasileira. Contextualiza, e muito bem, todos os acontecimentos, com farto material histórico e entrevistas muito eficientes. Também chama a atenção para o paradoxo da pessoa, a dicotomia entre o pai de família, cujo filho não consegue entender o que o pai fez de mal, e a pessoa que sentia prazer em ver pessoas serem torturadas.
Chaim Litewski cozinha muito bem a narrativa, que facilmente poderia ter se perdido no meio de tanta ambição. A organização das entrevistas demonstra muito respeito pelo material filmado e o que precisa de ser dito, e com isso ganha o respeito de quem está a ver, percebendo-se que não é apenas um filme que julga um torturador, e dá espaço para conhecermos todas as faces de Boilesen.

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O Prisioneiro da Grade de Ferro (O Prisioneiro da Grade de Ferro) 2004

2012-01-17T20:32:00.000Z

O Prisioneiro da Grade de Ferro é um documentário que pretende retratar e reflectir sobre a realidade do sistema prisional brasileiro, numa altura em que as suas contradições se exaltam, rondando os limites da aceitabilidade.
Governos aplicam montantes recordes de recursos em infra-estruturas, alteram legislações e procuram parcerias e novas mentalidades de acção penal. Hoje, já não basta excluir delinquentes da sociedade. Urge rever o próprio conceito de aprisionamento como forma de recuperação do cidadão e prevenção do crime. Apesar de todos os esforços para melhorar a situação do sistema penitenciário, esta situação continua a agravar-se.
É este imenso universo que irá ser abordado neste filme, confrontando a nossa visão dos factos (baseada em pesquisa, leituras e entrevistas realizadas com prisioneiros, polícias, administradores, jornalistas e outras pessoas ligadas ao assunto) com o olhar dos próprios interinos. O ponto de partida para este confronto foi a escolha de um local único onde os trabalhos pudessem ser realizados, e a realização de um curso de vídeo para os detidos. A unidade prisional escolhida foi a Casa de Detenção Prof. Flamínio Fávero, localizada no complexo penitenciário Carandiru, a maior prisão existente naquela altura em toda a América Latina.
Primeira longa-metragem de Paulo Sacramento, e única até agora, foi rodada poucos meses antes da demolição do Complexo Carandiru.

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O País de São Saruê (O País de São Saruê) 1971

2012-01-16T19:24:00.000Z

O País de São Saruê é um documentário sobre a vida de lavradores, garimpeiros e outros moradores do nordeste brasileiro, filmado a preto-e-branco e realizado no fim da década de 1960. Restaurado entre 2003 e 2004 a partir da única matriz ainda existente (um internegativo de 35mm feito a partir do negativo original de 16mm), o filme está agora disponível em DVD para que as novas gerações o conheçam.
Na verdade, O País de São Saruê é mais que um documentário. É um verdadeiro ensaio audiovisual sobre a vida sertaneja na região paraibana do Rio do Peixe, situada no “polígono da seca”. Vladimir Carvalho começa o filme com uma narrativa poética, mostrando a labuta dos moradores e a interacção com a dura paisagem que os cerca. As imagens são acompanhadas pela narração de um poema de Jomar Moraes Souto, que, para escrevê-lo, inspirou-se nas próprias imagens captadas por Carvalho e a sua equipa ao longo dos quatro anos de produção. Num outro momento, o realizador entra na denúncia contra a exploração dos trabalhadores pelos donos da terra (motivo que levou a censura a proibir o filme em 1971 – só foi lançado oficialmente em 1979, quando acabou premiado pelo júri do Festival de Brasília). A voz daquele povo toma as rédeas e conduz o filme a partir daí, em entrevistas com personagens como o ex-lavrador que conseguiu tornar-se um bem-sucedido empresário, o voluntário da paz americano dividido entre duas situações políticas conturbadas (a do nordeste brasileiro e a do seu país, em guerra no Vietname) e o senhor idoso que lamenta a decadência do garimpo na região.

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Saravah (Saravah) 1972

2012-01-16T19:02:00.001Z

Saravah é o registo da viagem do realizador/actor francês Pierre Barouh ao Brasil. Em Fevereiro de 1969, em pleno desfile da Mangueira, Barouh desembarcou no Rio de Janeiro para registar em película momentos da música brasileira. O olhar do estrangeiro capturou imagens que durante 36 anos permaneceram desconhecidas no país. O filme é resultado das sessões de rodagem de Barouh com os ancestrais Pixinguinha e João da Baiana, então octagenários, os jovens Maria Bethânia (aos 21 anos) e Paulinho da Viola, tendo Baden Powell como elo entre gerações tão distantes e fundamentais da arte brasileira.
Este obra tem um grande valor documental, não apenas pelas suas imagens, mas também por ser produzido num momento importante da música brasileira: os anos 60, momento de constituição da sigla MPB.

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Ciclo Documentários Brasileiros

2012-01-15T17:44:00.000Z

O Brasil encontrou uma grande vocação nos documentários. Um país de extremos, de cultura rica e variada, muitas histórias reais para serem contadas e poucas verbas para produções, deram espaço para o género florescer.
Nas próximas duas semanas vou apresentar aqui uma série de óptimos documentários brasileiros, que espero que sejam do vosso gosto. Agradeço a ajuda da minha amiga Sónia Sousa, que foi preciosa para determinar a selecção.

A Cidade Submarina (The City Under the Sea) 1965

2012-01-15T17:17:00.000Z

A história de uma estranha comunidade de piratas que vive numa cidade submarina na costa da Cornualha no século passado, e que rapta uma jovem herdeira americana porque o chefe (Vincent Price) vê nela um amor perdido no tempo.
Último filme de Jacques Tourneur. Considerando que este filme é realizado pelo grande Jacques Tourneur, interpretado pelo lendário Vincent Price e é baseado num poema do mestre do macabro, Edgar Allen Poe, pode ser considerado uma grande desilusão. Considerando a qualidade dos talentos envolvidos, este filme realmente deve ter sido muito melhor. No entanto, apesar de estar longe de brilhante, o filme não é mau e os fãs de qualquer combinação dos três grandes intervenientes, sem dúvida que pode encontrar algo que goste. É no modo de como a história é contada que faz o filme derrapar. Muito tempo do filme é gasto com elementos um pouco chatos, como uma sequência de perseguição extremamente longa debaixo d'água. No entanto, nas partes em que o filme é bom, é muito bom. Vincent Price oferece um ótimo desempenho como governante do reino subaquático. Os efeitos são um pouco fracos, especialmente quando vemos os monstros de perto, mas essas pequenas coisas contribuem para o charme dos clássicos filmes de série B. A história em si é muito boa, e apesar de, na realidade, ser apenas um poema, Poe consegue injectar toda a maldade do que o tornou imortal aos olhos de toda a gente que conhece alguma coisa sobre literatura.

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Wichita (Wichita) 1955

2012-01-15T16:45:00.000Z

Ex-caçador de búfalos e empresário, Wyatt Earp chega à cidade de Wichita, no Kansas. A sua habilidade como pistoleiro – propagandeada pelo jornalista Bat Masterson – faz dele um candidato perfeito para o posto de xerife, mas ele recusa o trabalho até que acaba por se sentir moralmente obrigado a pôr fim aos foras-da-lei e selvagens da cidade.
Wichita é um filme exemplar na forma como refaz o mito para embasar o cliché, ainda que, como poucos filmes de Tourneur, balance tanto o peso autoral com a artificialidade. O mito pode existir sem a verossimilhança, mas o cinema ressente-se dessa ausência. E haveria, portanto, dois modos de ver este western: através da homenagem a esses mitos ou através da busca por uma realidade – de actos, emoções e acções – que, a bem da verdade, sempre sairá prejudicada quando na comparação com mitos tão enraizados. Tourneur, em Wichita, opta pelos mitos enraizados, e desfila-os pela tela com a mesma riqueza e controle de cena que apresentou em bons exemplos anteriores. Se o argumento é rotineiro, a realização estilizada de Tourneur dá-lhe uma atmosfera que explora o ambiente de tensão e suspense, a que se junta uma hábil utilização do Cinemascope.

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O Gaúcho (Way of a Gaucho) 1952

2012-01-14T14:48:00.001Z

De certo modo, "Way of a Gaucho" é um western deslocado para a América do Sul. O personagem de Rory Calhoun corresponde ao típico cowboy que vê o seu mundo desaparecer com a chegada da civilização materializada na construção de uma estrada de ferro, e converte-se num fora-da-lei que será redimido pelo amor de uma mulher. A história passa-se na pampa argentina, no meio das turbulências do exército, da população gaúcha que se vê ameaçada de continuar a existir, a viver segundo os seus costumes tradicionais.
Tourneur guia-se mais pelas aparências do que pela razão, pela realidade concreta das relações possíveis daquilo que filma. Way of a Gaucho tem pulsão. E se Tourneur nunca foi um realizador que transparecia para o espectador pela economicidade da sua direcção, aqui, todavia, não se agiganta sequer na formulação da sua história, que é a um só tempo de argila e de papel. O Gaúcho não é um filme político, mas é sim um filme religioso.

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A Raínha dos Piratas (Anne of the Indies) 1951

2012-01-14T14:27:00.000Z

Capturado pelo governo britânico por pirataria, o capitão La Rochelle aceita trabalhar para os ingleses como espião, para prender Barbanegra e Providence, dois dos mais perigosos piratas das Caraíbas. Mas La Rochelle fica surpreendido ao conhecer Providence, uma das mulheres mais belas que já conhecera. Apaixonados, os dois planeiam tornar-se uma das maiores forças-piratas da região. Providence, no entanto, descobre os planos de La Rochelle para traí-la...
Dirigido por Jacques Tourneur e escrito por Phillip Dunne (How Green Was My Valley) Anne of the Indies é uma aventura sobre piratas bastante interessante. A personagem principal da capitã Anne Providence é baseada numa verdadeira mulher-pirata, Anne Boney, que realmente viveu e navegou no Atlântico durante o século 18. Visto hoje, parece ser mais uma revisitação aos filmes de piratas dos anos 40 e 50, mas visualmente é um filme muito bem conseguido, incluíndo algumas belas sequências de batalhas. Jean Peters protagoniza.

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O Facho e a Flecha (The Flame and the Arrow) 1950

2012-01-13T21:04:00.000Z

Dardo(Burt Lancaster), lidera os camponeses na luta contra os invasores do rei Frederico, que raptaram o seu filho e oprimem o povo. Dono de uma flecha e língua certeira, Dardo passa pelas maiores peripécias, usando até pirâmides humanas para vencer o seu principal inimigo, Conde Ulrich, O Gavião, responsável pelo rapto do seu filho. Ele também pretende conquistar a linda donzela Anne que está prisioneira no castelo do inescrupuloso Conde. Com um sentido de humor inigualável e acrobacias malucas, Dardo e o seu grupo deixam o inimigo completamente enlouquecido. Neste ambiente heróico, repleto de grandes batalhas, cenários gigantescos e palácios colossais, Dardo revive as aventuras de capa-e-espada de um modo mais irreverente.
Aventura clássica originalmente da Warner, realizada por Jacques Tourneur, com acção ininterrupta e muito humor que resistiu muito bem ao tempo. Burt Lancaster - que também co-produziu esta obra - foi acrobata de circo na juventude e fez ele mesmo muitas das manobras arriscadas do personagem, sem recorrer a duplos. Piccolo, o seu parceiro, é interpretado por Nick Cravat, amigo de Lancaster desde a altura de circo e também acrobata. Os dois apareceram juntos em vários filmes.
O filme aproveita cenários de "As Aventuras de Robin Hood" (1938) e "As Aventuras de Don Juan" (1948).

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Stars in My Crown (Stars in My Crown) 1950

2012-01-13T20:31:00.001Z

Um Veterano da Guerra Civil procura uma nova vida numa pequena comunidade, mas encontra resistência entre os seus fiéis. A amizade com um jovem rapaz e as suas demonstrações de bravura e dedicação fazem-no ganhar o respeito entre os cidadãos.
Praticamente sem história, Stars in my Crown é uma colecção de vinhetas da vida numa pequena cidade no interior dos EUA em fins do século XIX que retratam sentimentos e emoções. Como ponto de partida, a vida de uma criança com o seu pai, pregador, na vila que os adoptou, onde o tranquilo deslizar do tempo é por vezes quebrado pelo drama (e o discurso de McCrea aquando da tentativa falhada de linchamento pelo Klu Klux Klan, é um dos mais extraordinários momentos políticos de todo o cinema americano).
Além disso é um filme que olha também para o passado (no caso o do jovem e o dos Estados Unidos, que tinha no Velho Oeste a reestruturação de toda a sua sociedade moderna, remontando as peças e redesenhando-se politicamente, economicamente, socialmente) com um sentimento de nostalgia implícito que hipnotiza, capaz de acrescentar uma impressionante profundidade extra-diegética nas mais simples das ações (como um abraço ou um simples olhar de admiração).

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O Expresso de Berlim (Berlin Express) 1948

2012-01-12T20:37:00.000Z

Nazis na clandestinidade raptam um político alemão essencial ao processo de reconstrução da Alemanha. Um grupo de pessoas, oficiais e civis das nações aliadas e das diversas zonas de ocupação unem os seus esforços para o libertarem.
Há um clima de hostilidade ou, no mínimo, de desconfiança, entre os passageiros que representam cada uma das nações que ocupam a Alemanha derrotada. O oficial soviético a princípio não quer participar numa acção ao lado dos outros. É uma metáfora muito clara, muito óbvia, da nova divisão que ia ficando cada vez mais clara entre os vencedores da guerra: de aliados na luta contra o nazismo, passam agora a ser adversários, inimigos – os países capitalistas de um lado, o império soviético do outro.
Jacques Tourneur aproveita algumas das principais características do film noir, e potencializa-as. Se num noir os personagens já não confiam uns nos outros, como seria então dentro de um espaço reduzido (no caso, um comboio), com pessoas de diversas nacionalidades num muito recente pós-guerra? O noir também gostava de transcrever uma sociedade sem esperança, em busca de redenção, e que cenário melhor para essa caracterização que uma Alemanha severamente destruída pela guerra? Uma trama complexa, de onde não se pode desviar o olhar por um segundo, porque a quantidade de informações importantes despejadas é alta. E as reviravoltas nunca são gratuitas, Tourneur era um mestre na arte de manipular, sugerir, esconder e mostrar apenas quando lhe fosse conveniente. O filme é repleto de pequenas pistas que parecem inúteis, mas que denunciam alguns dos acontecimentos futuros.

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Amor Selvagem (Canyon Passage) 1946

2012-01-12T20:03:00.000Z

Um homem de negócios, Logan Stuart (Dana Andrews), escolta a noiva do seu amigo, Lucy Overmire (Susan Hayward), de volta para casa na distante cidade de Jacksonville, no Oregon. No trajecto da sua dura jornada Lucy sente-se atraída por Logan cujo coração parece pertencer a outra pessoa. Quando chegam a Jacksonville, vários factos começam a acontecer envolvendo vilões, damas, triângulos amorosos, crimes...
Jacques Tourneur dirige o seu primeiro western, uma obra incomum dentro do género que habilmente mistura acção com romance melodramático, tudo dentro de um cenário colorido, situado no território de Oregon de 1856. O filme é baseado no romance de Ernest Haycox e escrito por Ernest Pascal.
Canyon Passage mantém um tom uniforme durante todo o tempo, nunca insinuando uma conclusão que será orientada para a acção. A primeira coisa que salta à vista em Canyon Passage é a cidade de Jacksonville em si, esta é uma cidade muito diferente das cidades do Oeste. Construída num canyon inclinado situado numa zona bastante verde. As flores verdes e vermelhas dão um sentido de harmonia, uma maneira sorrateira de desviar o espectador da narrativa latente. Os personagens são variados e cada um têm um significado, cada impulso dado pelo elenco uniformemente forte, o último dos quais é também um testemunho da direção suprema do realizador parisiense.

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Noite na Alma (Experiment Perilous) 1944

2012-01-11T21:11:00.000Z

Muito pouco conhecido este é um dos mais notáveis thrillers góticos que se popularizaram nos EUA no pós-guerra. Experiment Perilous leva-nos para os primeiros anos do século XX em Nova Iorque, e para uma digressão pela paranóia. Hedy Lamarr é uma jovem casada com um homem muito mais velho e megalómano que procura enlouquecê-la movido pelos ciúmes e pelo sentido de posse.
Experiment Perilous é um tipo de noir mais refinado e sóbrio. A história de mistério, com flashbacks que servem para juntar as peças de uma investigação que gira em torno da figura feminina, de beleza estonteante contudo não fatal, é bem envolvente e com momentos que impressionam, tanto no aspecto estético como no comportamento dos personagens. Hedy Lamarr interpreta uma jovem perturbada e praticamente aprisionada pela vontade do marido – uma rápida pesquisa mostra que algo semelhante aconteceu com a própria actriz no seu primeiro casamento: Friedrich Mandl, um fabricante de armas com inclinações nazis, tendia a controlar a sua vida e deixava-a presa na sua própria mansão. Aqui, Paul Lukas interpreta o marido ególatra e sádico, na melhor interpretação do filme. A realização a cargo de Jacques Tourneur.

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Days Of Glory (Days Of Glory) 1944

2012-01-11T20:44:00.000Z

No final de 1941, com a invasão Nazi da Rússia a avançar, o Exército Vermelho deixa grupos de guerrilheiros para trás, nas florestas. A um desses grupos, junta-se a bela bailarina Nina, inicialmente inapta, mas uma série de lições, gradualmente, transformam-na num soldado experiente.
Gregory Peck depois de interpretar na Broadway a peça The Morning Star, no ano seguinte, fez sua estreia no cinema, onde contracena com a sua noiva, Toumanova. Depois deste filme, Peck passou a ser disputado ferozmente pelos estúdios até assinar com a Fox. No ano de 1944, e já sem a colaboração de Lewton, Tourneur realiza este Days of Glory, um filme de guerrilha sobre a tentiva de travar o avanço nazi pela Rússia. Com o mundo em guerra, ainda durante as batalhas, os americanos e os russos uniram-se pra produzir este belíssimo filme.
A guerra entre a rússia e a alemão foi a maior batalha já travada e estranhamente foi ignorada por Hollywood. Este filme, feito quando os russos ainda não tinham chegado a Berlim, foi provavelmente uma peça de propaganda no seu tempo e sofre de um certo tipo de tratamento Hollywoodesco. "Days of Glory" foi o primeiro filme de grande orçamento para Jacques Tourneur, depois do sucesso da série de horror, formada por Cat People, I walked with the Zombie e Leopard Man.

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Especial Jacques Tourneur

2012-01-10T21:44:00.000Z

Realizador francês nascido em 1904 e radicado nos EUA desde 1913. Filho do realizador Maurice Tourneur, trabalhou inicialmente para o seu pai como revisor de guiões e assistente de montagem. Em 1931, voltou a França para realizar uma série de curtas-metragens. O produtor David O. Selznick convenceu-o a ocupar o cargo de assistente de realização em A Tale of Two Cities (História de Duas Cidades, 1935) onde conheceu o produtor Val Lewton, de quem se tornou amigo. Quando Lewton foi nomeado responsável pela produção dos filmes de terror da RKO, requisitou Tourneur para realizar aquele que se tornou um clássico do horror: Cat People (A Pantera, 1942). A sua filmografia futura consagrou o realizador como um mestre do género: I Walked With a Zombie (1943), The Leopard Man (O Homem Leopardo, 1943) e Night of the Demon (1958) tornaram-se clássicos.
Mas a carreira de Tourneur foi muito mais do que este punhado de grandes obras, e é isso que vai ser aqui visto nos próximos dias, com cerca de 9 obras deste realizador. Não esquecendo que já podem ser cá encontrados outros 5 dos seus filmes.
O ciclo dos documentários brasileiros passa para a próxima semana.

Welcome - Bem-vindo (Welcome) 2009

2012-01-10T21:12:00.000Z

Em Bem-Vindo, Philippe Lioret aborda as políticas de imigração europeias atravéz da história de um jovem curdo que deixa o Iraque e parte numa jornada para reencontrar a namorada em Inglaterra. Em Calais, impedido de continuar, o rapaz decide cruzar o Canal da Mancha a nado. Simon (Vincent Lindon), um professor de natação numa piscina da cidade, coloca-se em risco para treinar secretamente o jovem refugiado, com o intuito de impressionar e reconquistar a sua mulher.
Bem-vindo é, basicamente, uma história sobre sonhos e determinação. Já seria capaz de nos abalar pelo tema polémico, que nos fala sobre a imigração ilegal em França e da política de preconceito e intolerância do governo Sarkozy. Ao mostrar-nos a história de Bilal, entretanto, a longa-metragem vai mais além: mexe com os nossos sentimentos mais íntimos ao atirar-nos na cara a nossa falta de atitude quanto ao que desejamos na vida.

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As Praias de Agnés (Les Plages d'Agnès) 2008

2012-01-10T20:42:00.000Z

Como diz uma das frases-chave do filme, Varda recorda quando vive. A memória começa a falhar-lhe à medida que a idade avança, mas no caminho que ainda há a percorrer tropeça aqui e ali em recordações que se prendem com a vida presente. Essa é a vida que continua e o passado que ficou para trás só a ela pode visitar, no único tempo que existe realmente. Será não um voltar atrás, mas antes um voltar à frente – talvez daí a preferência por um outro termo.
Ao regressar às praias que marcaram a sua vida, Agnès Varda inventa uma forma de auto-documentário. Agnès coloca-se em cena entre os excertos dos seus filmes, imagens e reportagens. Faz-nos partilhar com humor e emoção o seu percurso, os primeiros passos como fotógrafa de teatro, cineasta nos anos cinquenta, a vida com Jacques Demy, a sua militância feminista, as viagens a Cuba, à China e aos EUA, o percurso de produtora independente, a sua vida em família e o amor das praias.

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Temporada de Patos (Temporada de Patos) 2004

2012-01-09T20:34:00.000Z

Moko e Flama tem tudo o que precisam para passar o domingo juntos: videojogos, pornografia e pizzas ao domicílio. Mas a companhia da electricidade, a vizinha, o rapaz das pizzas, um bolo e um quadro de patos quebram a harmonia do que esperavam ser um domingo tranquilo.
Um olhar sobre a banalidade do quotidiano e os dramas da adolescência.
Agridoce e minimalista, Temporada de Patos é uma discreta comédia lo-fi que assenta na solidão da adolescência e na quebra dos laços familiares para gerar um retrato de quatro personagens que, aos poucos, se vão apoiando mutuamente.
Mais um nome a acrescentar a uma promissora nova geração de realizadores mexicanos - que inclui cineastas como Alfonso Cuarón (Grandes Esperanças, E a Tua Mãe Também), Alejandro González Iñarritu (Amor Cão, 21 Gramas) ou Guillermo Del Toro (Blade 2, Hellboy) - Fernando Eimbcke estreia-se nas longas-metragens com Temporada de Patos, um pequeno filme de baixo orçamento elogiado na sua terra-natal, no Festival de Cannes e na primeira edição do IndieLisboa.

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Domésticas (Domésticas) 2001

2012-01-09T20:20:00.000Z

"Domésticas , o filme" conta-nos a história de cinco domésticas. Histórias sobre aquela mulher que apesar de morar dentro da sua casa, preparar a comida e mexer nas gavetas, é como se fosse invisível. Aquela mulher que na vida real cuida dos seus luxos e trapos e que no cinema, passa lá no fundo com a bandeja e o cafezinho. "Domésticas, o filme" inverte isso tudo. Aquela figurante de bandeja na mão torna-se protagonista. E, nas suas mãos, está não apenas o cafezinho, mas o cardápio completo: humor, tragédia e poesia. Conta-nos a história de Cida, Roxane, Quitéria, Raimunda e Créo. Uma quer casar. A outra é casada mas quer um marido melhor. Outra sonha em ser artista de telenovela. Uma acredita que a sua missão é servir exclusivamente a Deus e a sua patroa. Elas têm diferentes visões do paraíso, mas dividem o mesmo inferno: a profissão de domésticas.
Antes de realizador a sua obra-prima Cidade de Deus, o realizador Fernando Meirelles, ao lado de Nando Olival, fez este filme menor, mas que recorre aos mesmos temas da sua obra máxima, como a pobreza na vida desmazelada das periferias de uma grande cidade (aqui, a gigantesca e confusa São Paulo). Em Domésticas, Meirelles apresenta-nos o mundo confuso e problemático das empregadas domésticas, com um estilo narrativo intenso, montagem muito cuidada (certamente que foi uma grande escola para a realização de Cidade de Deus, um ano depois), e personagens cativantes.

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TCN Blog Awards 2011

2012-01-08T20:33:00.000Z

Realizou-se ontem a 2ª Cerimónia dos TCN Blog Awards.
Ficam aqui os resultados finais e a filmagem de toda a cerimónia. Espero que gostem.

Melhor Blogger - Pedro Andrade (TV Dependente)
Melhor Artigo - Mundo Mágico vs. Caixinha Mágica(TV Dependente)
Melhor Crítica - Game of Thrones S1E01 (TV Dependente)
Melhor Blog Colectivo - TV Dependente
Melhor Novo Blog - Blockbusters PT
Melhor Blog Individual - Keyzer Soze's Place
Melhor Iniciativa - José e Pilar aos Oscares
Melhor Revista de Cinema - Empire

Kantoku · Banzai! (Kantoku · Banzai!) 2007

2012-01-05T21:55:00.000Z

Depois de anunciar publicamente que não fará mais filmes de gangsters, o realizador Takeshi Kitano tenta criar um filme que agrade a todos os gostos e seja um sucesso comercial. De dramas neo-realistas a filmes de artes marciais, passando por melodramas românticos e pelo terror, ele tenta de tudo.
No entanto, nada dá certo, e os produtores recusam sucessivamente os seus projectos. Quando, enfim, consegue realizar a última das suas idéias, uma série de eventos imprevisíveis coloca em cheque a vida na Terra. Agora Kitano precisa não apenas de terminar o seu precioso filme, mas também de salvar o planeta.
Por mais estranho que pareça, este é o argumento do filme. Segundo filme da “trilogia da autodestruição artística” e o filme mais radical e inacreditável de Takeshi Kitano. Depois de tornar-se o rei dos filmes sobre a Yakuza, depois de reler o samurai cego Zatoichi e revisitar conterrâneos com uma abordagem única, Kitano quis mais. E quis reavaliar a sua carreira. Quis colocar em cheque a forma como o público e a crítica encaram o seu trabalho. Um ícone popular, um iconoclasta vanguardista, um angustiado que vê o mundo de forma tragicómica; e mais ainda, gozar com a cara de meio mundo esfregando na nossa cara o que um realizador consciente da sua arte é capaz de fazer quando insatisfeito artisticamente.

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Pistol Opera (Pisutoru Opera) 2001

2012-01-05T21:41:00.000Z

Suzuki Seijun, prolífero realizador japonês das décadas de 50 e 60, conhecido pelos seus clássicos filmes de gangsters, visualmente imaginativos e narrativamente surreais, foi pouco activo nas décadas seguintes. «Pistol Opera», de 2001, onde Suzuki, à beira dos 80 anos, vai rever o seu «Branded to Kill» (1967), partindo de uma premissa idêntica, com a diferença de que o assassino nº 3 é agora uma mulher. Mantém-se a exploração visual, com cores fortes e uma fotografia apelativa — mas agora no formato da academia e não em scope — e uma teatralidade e desprezo pela lógica, que caracterizam os seus filmes mais populares. Uma experiência curiosa, no mínimo, para fugir um pouco aos esquemas “previsíveis” do cinema que se sustém num guião e no realismo.
Suzuki já não rodava um filme desde 1993, e ainda teve forças para rodar "Operetta tanuki goten" dois anos depois.
Legendas em inglês.

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Pusher (Pusher) 1996

2012-01-04T21:27:00.000Z

Frank é um pequeno traficante de drogas em actividade, até que faz um grande negócio com droga que ainda não tinha pago e é apanhado pela polícia. Decide derramar a droga num lago próximo, mas deve ao seu fornecedor muito dinheiro, sendo que este não é a pessoa para contrair uma dívida. Assim seguimos Frank na sua jornada de uma semana a tentar conseguir dinheiro no submundo de Copenhague.
Filmes sobre o mundo das drogas costumam mostrar um lado romantizado da vida para depois entrar no inferno que passam por causa ao vício. A vida das festas, boates, bebidas, música e sexo impulsionados pelo efeito da droga dão lugar a imagens de pessoas perseguidas pela polícia, paranóicas e de saúde física e mental debilitadas devido ao vício numa tentativa de alertar, principalmente os mais jovens, que o balanço “benefício” X consequência é sempre negativo.
Pusher fala sobre drogas mas usa uma abordagem diferente. Como o nome sugere, o foco aqui é o traficante, não o usuário. Frank e o amigo Tonny percorrem as ruas da gloriosa Dinamarca vendendo e usando drogas, arranjando brigas. Aqui não se encontram almas que ainda podem ser salvas, ou pessoas que estão dispostas a recomeçar. Todos os personagens de Pusher são pessoas que já comprometeram a própria vida e só trazem desgraça para quem os cerca. O filme é montado de forma frenética, nenhuma imagem fica durante muito tempo no ecrã e a câmera acompanha os personagens nas suas descidas aos infernos locais de uma forma que dá-se a impressão que quem está a ver também está lá.

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Pusher II (Pusher II) 2004

2012-01-04T21:25:00.000Z

Depois de passar 13 meses na prisão, Tonny (Mads Mikkelsen) está de volta à vida real. Vai à procura do seu pai Smeden (Leif Silvestrer), um terrível gangster dos subúrbios de Copenhaga, que é quem dirige uma oficina de carros roubados e depois exporta-os. Assegurando-se que tem tudo bem planeado, Smedem deixa-o trabalhar com ele experimentando-o como ladrão de carros. Tonny está ansioso de demonstrar ao seu pai que é capaz de fazer o que este lhe pede, quanto mais mais Smeden tenta agradar ao seu pai pior sai. Até que contrai uma dívida tão grande para com ele que não é capaz de pagá-la.
Pusher II (2004) foi feito oito anos depois do primeiro e com bem mais dinheiro. A qualidade da imagem é muito superior, mas a fotografia segue o mesmo estilo do primeiro filme, abusando bastante de cores fortes, como a cena toda a vermelho na boate. Novamente os actores estão ótimos e os personagens realistas e com um nível de profundidade emocional ainda maior.

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Pusher 3 (Pusher 3) 2005

2012-01-04T21:22:00.000Z

Milo está a envelhecer, e planeia o 25 º aniversário da sua filha e descobre que a sua remessa que era pra ser de heroína é na verdade 10,000 comprimidos de ecstasy. Quando Milo tenta vender os comprimidos de qualquer maneira, dá tudo errado e sua única possibilidade é pedir ajuda ao seu ex-capanga e velho amigo Radovan.
Esta é a parte final da triologia de Nicolas Winding Refn. Pusher 3 é um óptimo final para a série de Refn sobre o mundo das drogas de Copenhague. Zlatko Buric é surpreendente no seu primeiro papel principal desta série, como o traficante e fornecedor Milo. Para quem gostou do seu papel e desempenho em Pusher, vai amá-lo aqui. O filme tem algumas cenas bastante perturbadoras que ajudam a cinematografia do filme a parecer muito realista.

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Às Cinco da Tarde (Panj é Asr) 2003

2012-01-04T20:57:00.000Z

O filme investiga a situação das mulheres no Afeganistão ao narrar a trajetória de Noqreh (Agheleh Rezaie), uma jovem que sonha ser candidata à Presidência da República. Assim que as escolas voltam a aceitar o sexo feminino, Noqreh regressa aos estudos. Quase todas as alunas, contudo, ainda usam a burca. Aos poucos, durante as aulas, instaura-se o debate em torno da condição feminina e da possibilidade das mulheres conquistarem os mesmos direitos dos homens. Com a ajuda de um poeta, Noqreh entra em conflito com o pai.
Dirigido pela iraniana Samira Makhmalbaf, sua terceira longa metragem e premiado pelo juri de Cannes. Todo falado em dari, o idioma local, o filme passa-se nas ruínas bombardeadas de Cabul e foi a primeira produção rodada na capital afegã depois da ocupação norte-americana. O título Às cinco da tarde foi retirado de um poema do espanhol García Lorca.

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Lantana (Lantana) 2001

2012-01-03T18:48:00.000Z

A Psiquiatra Valerie Sommers desaparece uma noite e o detective Leon Zat é chamado a investigar o caso, sem saber que secretamente a sua mulher andara a consultar a desaparecida psiquiatra cujo casamento estava desgastado e envenenado pelos seus ciúmes doentios. Zat que, por sua vez, também anda consumido pelos remorsos de trair a mulher, ao ver-se envolvido num caso de desaparecimento de pessoas decide investigar a vida de quatro casais que crê serem a chave para a resolução do mistério. Os segredos e mentiras destes casais cruzam-se com as suas investigações e iluminam a crise pessoal que tem para resolver.
Neste enredo ,todos têm algo a esconder...
Comovente e delicada obra sobre as relações afectivas e familiares marcadas pela rotina e pela tragédia. A estrutura narrativa é intrincada, cruzando as várias personagens numa teia de ligações, quando no início parece que todas as histórias independentes. Os actores, dos principais aos secundários criam personagens de uma vibração intensa e única. Segunda obra do realizador Ray Lawrence.

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Inocência (Innocence) 2004

2012-01-03T18:39:00.000Z

Bianca (Bérangère Haubruge), a mais velha na hierarquia das fitas de cabelo, ou seja, a menina violeta, sai todas as noites, percorrendo a estrada de terra batida. E nem mesmo os candeeiros amarelos sabem para onde vai ou que segredo esconde esta rapariga de franja. Alice (Lea Bridarolli), a que passeia o laço azul, é a bailarina que pede desejos aos papelinhos enfiados no muro e cuja única lamentação é poder não ser a preferida da Directora do Colégio – a única forma de sair mais cedo da redoma do bosque.
Mademoiselle Edith (a oscarizada Marion Cotillard em La Vie en Rose) é a professora primária, coxa. Mademoiselle Eve (Hélène de Fougerolles) é a professora de ballet, que molda as meninas segundo uma educação à la carte estilo Bom selvagem de Rousseau, na qual ensina que a única e possível metamorfose da beleza é delicada e aplaude-se com asas. E toda a menina que voa para além do seu casulo-castelo – já amuralhado num corpo de mulherzinha-mariposa – tem o seu já o futuro traçado a sangue.
O lado obscuro da inocência, retratado pela realizadora francesa Lucile Hadzihalilovic, mede-se em metros de verde. Cordas que saltam e que ensinam a contar em pés de menina. 1, 2, 3, 4 e tudo se parece resumir a um luminoso bosque com pássaros que chilreiam sobre árvores guliverianas. Mas todo o conto de fadas para ser perfeito merece conter um elemento macabro, uma angústia claustrofóbica que impede estas mulheres-meninas de contactarem com o mundo exterior. Não se sabe de onde vieram, quem são os pais nem quem as traz para este nenhures, onde vivem estrategicamente distribuídas por cinco casas no meio de uma estranha floresta.
Innocence foi buscar o enredo ao livro Mine-Haha, ou l’ Éducation Corporelle dês Jeunes Filles (1888), de Frank Wedekind. O autor alemão do século XIX escreveu o romance numa época em que existia uma enorme utopia sobre a educação alicerçada em novos métodos, tais como o contacto com a natureza, a música ou a dança.

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Histórias de Caçadeira (Shotgun Stories) 2007

2012-01-02T20:06:00.001Z

Son Hayes nunca fala das cicatrizes que tem nas costas: os chumbos de caçadeira desenham debaixo da pele um padrão de pontos negros e azuis. Os homens com quem trabalha fazem apostas sobre como as ganhou. Son é irmão de Boy e Kid - o pai que os abandonara nunca se importou em dar aos filhos nomes como deve ser. E os três crescem com a mãe amarga. Nos campos de algodão e nas pequenas estradas do Sudeste de Arkansas, estes irmãos descobrem o que estão dispostos a percorrer para proteger a família.
Há um outro país no interior da América que nos é desconhecido. Povoado por saloios (o protótipo do redneck), com as suas densas paisagens e ambiente sufocante. É um país mais árido, que nos lembra o universo western. O estreante Jeff Nichols dá-nos a conhecer esse país com um realismo muito próprio. Histórias de Caçadeira é surpreendente. No seu ritmo pausado, em certos momentos talvez demasiado lento, a verdade é que Nichols cria uma narrativa que deixa o suficiente por explicar - como se não houvesse necessidade de analisar a fundo o que leva três homens aparentemente sem rumo, a encontrarem respostas num caminho violento. O filme é trespassado por um cheiro a morte, do ambiente tenso e violento.

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O Grande Silêncio (Die große Stille) 2005

2012-01-02T19:55:00.001Z

"O Grande Silêncio" é o primeiro filme sobre a vida interior da Grande Chartreuse, casa-mãe da Ordem dos Cartuxos, uma meditação silenciosa sobre a vida monástica na sua forma mais pura. A autorização para filmar o interior do convento pedida pelo realizador Philip Gröning, só lhe foi concedida 17 anos depois. Sem música à excepção dos cânticos do mosteiro, sem entrevistas, nem comentários, ou artifícios. É um filme sobre a presença do absoluto e a vida de homens que dedicam a sua existência a Deus.
Não há como escapar de um grande deleite estético e espiritual a quem se defronta com o excelente filme de Philip Gröning, “O Grande Silêncio” (Die Große Stille – 2005) . Trata-se de uma obra singular, de grande sedução cinematográfica, que foge aos padrões usuais e possibilita a recuperação do significado de um tempo que revela “efeitos especiais interiores”.
Este documentário tem 160 minutos de duração.

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Sinal de Alerta (Red Road) 2006

2012-01-02T19:42:00.001Z

Jackie (Kate Dickie) trabalha como operadora de um circuito interno de televisão. Todos os dias olha para uma pequena parcela do mundo, protegendo a vida das pessoas que estão sob o seu olhar. Um dia, um homem (Tony Curran) aparece no seu monitor, um homem que pensava não ver mais na vida, um homem que não queria ver mais. Agora, vê-se forçada a confrontá-lo.
“Sinal de Alerta” faz parte de um conceito único de três filmes, chamado Advance Party, produzido pela Sigma Films em Glasgow e pela Zentropa na Dinamarca. A ideia é que o mesmo grupo de personagens seja entregue a três diferentes realizadores, que terão de desenvolver um filme com essas personagens. Todos os filmes terão o mesmo tempo de rodagem e serão filmados na mesma cidade, Glasgow.
Ganhou o prémio do Juri no Festival de Cannes, em 2006.

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Eu, Tu e Todos os que Conhecemos (Me and You and Everyone We Know) 2005

2012-01-02T19:30:00.000Z

Christine Jesperson (Miranda July) é uma artista plástica solitária, que divide o tempo entre as suas criações e o trabalho como motorista para pessoas idosas ou que não possam conduzir. Ao levar um dos seus clientes a uma loja ela conhece Richard Swersey (John Hawkes), um vendedor de sapatos que a convence a comprar um par mais confortável. Richard separou-se recentemente e agora mora com os dois filhos, Peter (Miles Thompson) e Robby (Brandon Ratcliff), com quem tem um relacionamento distante. Christine interessa-se por Richard, mas ele ainda tem medo de começar uma nova relação.
Aclamado pela crítica e premiado no Festival de Sundance, Me and You and Everyone We Know (2005) é um filme simples e inesquecível, que é o estilo da jovem realizadora Miranda July, uma versátil artista-multimédia, que também é escritora.
Este é um olhar sobre o quotidiano banal de pessoas que partilham uma mesma realidade e procuram por ligações significativas num mundo moderno-isolável e carente de tacto social. Há muitos personagens curiosos neste filme, como por exemplo uma jovem que colecciona eletrodomésticos para o seu futuro casamento; duas adolescentes que exploram a sua sexualidade com um vizinho; uma criança de sete anos que brinca ingénuamente em encontros eróticos na Internet; uma artista (interpretada por July) em busca de visibilidade em museus ao mesmo tempo em que trabalha como motorista de táxi para idosos, e tantas outras personagens e cenas não menos curiosas. "Me and You and Everyone We Know" é um filme sobre as complexas relações entre pessoas que tentam ultrapassar a solidão existencial e encontram redenção em pequenos momentos compartilhados.

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Uma Semana Com...Samuel Andrade

2012-01-01T20:20:00.001Z

Para esta primeira semana de 2012 convidamos o blogger Samuel Andrade do blog Keyzer Soze's Place, para escolher a programação de toda a semana do MOTM. O Samuel fez uma lista de 17 filmes que gostaria de ver aqui, e que serão postados ao longo da semana. Espero que gostem das suas escolhas.
Mais algumas pessoas serão convidadas ao longo de 2012.

Em 2012...

2011-12-31T04:22:00.000Z

Já tivemos o Spaghetti Western, o Giallo, e agora, em Fevereiro de 2012, poderão ficar a conhecer tudo sobre o Poliziotteschi.

Boas entradas em 2012, é o que aqui se deseja.

Rei dos Reis (King of Kings) 1961

2011-12-29T21:52:00.000Z

A vida de Cristo contada com grande rigor histórico. Da manjedoura em que nasceu na cidade de Belém para a adoração de milhares de fiéis espalhados pelo mundo, a vida de Jesus Cristo (interpretado por Jeffrey Hunter) foi inegavelmente repleta de grandes acontecimentos. O Rei dos Reis é dirigido por Nicholas Ray e escrito por Philip Yordan - adaptado de nada menos que o Novo Testamento. Veremos os seus milagres, os pilares da construção da sua igreja, a escolha dos Doze Apóstolos, a última ceia, a traição de Judas (Rip Torn), o humilhante julgamento em praça pública conduzido por Pôncio Pilatos (Hurd Hatfield), a crucificação e a ressurreição. Para os cristãos, a hipótese de ver o seu líder espiritual. Para toda a humanidade, a oportunidade de aprender mais sobre a vida de um dos ícones religiosos mais importantes da História, reconhecido como espírito valoroso independentemente da religião. O Rei dos Reis tem música de Miklos Rozsa e narração de Orson Welles.
Segundo a crítica do New York Times, agradou ao público: "Nem uma palavra foi pronunciada pelo público durante as exibições. O filme prendeu as atenções... Estas longas séries de cenas animadas, com bons cenários, vestuários e uniformes adequados e elenco de actores, são simplesmente maravilhosas."

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Sombras Brancas (The Savage Innocents) 1960

2011-12-29T21:08:00.000Z

The Savage Innocents acompanha a trajectória do esquimó Inuk, que vive isolado na sua solidão glaciar. Ele tem um casal de amigos, mas falta-lhe a esposa para “rir debaixo dos lençóis”. A primeira parte do filme, que ocupa mais de metade do tempo, é um retrato do mundo dos esquimós, com particular atenção a Inuk. Aqui, é documentado o seu modo de vida, as relações familiares, a caça; enfim, uma amostra do quanto peculiares e ingénuos eram em comparação ao homem civilizado. O filme tem uma mudança brusca, depois da jornada de Inuk e da sua recém-constituída família rumo às promessas do homem branco. Os acontecimentos que se seguem a essa sequência são fundamentais para estabelecer o segundo momento da narrativa, quando Inuk é considerado um criminoso em fuga.
Do ponto de vista narrativo, vale mencionar também a voz off que de volta e meia surge na projecção. Típico artifício utilizado em adaptações literárias, a narração em off é um pecado do qual Nicholas Ray não soube fugir. Aqui, esse recurso tem duas funções: explicar particularidades a vida esquimó e explicitar os sentimentos dos personagens.
Em termos técnicos, a fotografia fica prejudicada pela artificialidade dos cenários montados em estúdio; não que isso comprometa o filme, porque no fim, é sempre um filme de Nicholas Ray.

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A Justiça de Jesse James (The True Story of Jesse James) 1957

2011-12-29T20:41:00.000Z

"The True Story of Jesse James" revela a outra face de quem foi o lendário Jesse James, um dos bandidos mais famosos do velho oeste americano. Recorrendo a episódios da sua juventude, nas implicações que o levaram a cometer os primeiros crimes, Jesse James é aqui retratado como um homem que simplesmente lutava por encontrar uma vida pacífica, num trágico mundo que o impedia de ser diferente.
A história e a lenda de Jesse James adaptam-se que nem uma luva ao universo temático de Nicholas Ray. Se é verdade que Ray renegou o filme depois de uma intervenção abusiva por parte dos produtores no processo de montagem, não é menos verdade que este contém variadíssimos momentos que estão ao nível do melhor do autor de Johnny Guitar.
Robert Wagner e Jeffrey Hunter interpretam os irmãos James, mas o elenco conta ainda com Hope Lang, Agnes Moorhead, Alan Baxter e John Carradine.

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O Fugitivo (Run for Cover) 1955

2011-12-28T20:37:00.000Z

Neste Western clássico James Cagney interpreta Matt Dow, que no início do filme foi libertado da prisão depois de cumprir seis anos por um crime que não cometeu. Dirigindo-se para o oeste, Matt faz amizade com o jovem Davey Bishop (John Derek), a quem ele começa a considerar como um filho (ou irmão) que nunca teve. Quando Davey é ferido durante um assalto a um comboio, Matt leva-o até ao rancho do Sr. Swenson (Jean Hersholt) para recuperar. No rancho Matt apaixona-se pela filha do Sr. Swenson, Helga (Viveca Lindfors). Quando Matt demonstra ser corajoso com uma arma, os habitantes do local, oferecem-lhe o cargo de xerife. Matt aceita, mas com uma condição: que Davey seja nomeado o seu xerife adjunto... Curiosamente o filme não deixa de ser um "western psicológico". A relação curiosamente freudiana entre Matt e Davey é prova disto.
Novo western de Nicholas Ray, ofuscado pela sua primeira incursão no género, com "Johnny Guitar", um filme totalmente diferente. Run for Cover aborda um dos temas preferidos de Ray, a inocência e o conflito de gerações, numa história quase exclusivamente masculina. James Cagney tem um desempenho excepcional, no papel de um xerife que acaba por descobrir que o seu assistente não é exactamente a pessoa que ele pensava.
Este filme não tem legendas.

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Andrócles e o Leão (Androcles and the Lion) 1952

2011-12-28T20:07:00.000Z

Androcles é um cristão que segue os mandamentos da sua religião, que também se aplicam ao tratamento de animais. Vendo um leão a sofrer, remove um grande espinho da pata do animal, criando um amigo para a vida. Androcles e uma série de outros cristãos são eventualmente presos e condenados à morte na arena. Quando estão prestes a ser comidos pelos leões, Androcoles descobre que um dos leões pode ser o que ele curou recentemente e será que ele se vai lembrar?
Gabriel Pascar produziu e Chester Erskine realizou esta primeira adaptação das peças de Bernard Shaw para o grande ecrã, depois da sua morte. Nicholas Ray caíu quase por acidente neste projecto, e realizou apenas algumas cenas que foram incluidas na montagem final, com a sua participação a nem sequer ser creditada. Na transposição da obra teatral, que ironizava os cristãos e os costumes romanos dos tempos dos Cesares, para o cinema, houve bastante mau gosto, que, em vez de ridicularizar personagens, acabou por ser uma obra em si ridícula.
Apesar de tudo, o filme vale pelo elenco: Jean Simmons, Robert Newton, Maurice Evans, Elsa Lanchester, Reginald Gardiner e um engraçado Alan Young no papel-título.

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A Deusa do Mal (Born to Be Bad) 1950

2011-12-27T22:15:00.000Z

Christabel engana tudo e todos com sua doce simpatia, incluindo a sua prima e o seu noivo rico, Curtis. O único que vê para lá da doçura de Christabel é Nick, um escritor robusto que a ama de qualquer modo. Christabel também ama Nick, mas ela ama mais o dinheiro de Curtis. Depois de convencer Curtis que Donna está interessada nele apenas pelo dinheiro, ainda engana Curtis para se casar com ela. É claro que continuará sempre com Nick ao seu lado.
Realizado em 1950, esta pequena jóia foi, sem dúvida ofuscada por All About Eve, o filme que fez de Anne Baxter uma estrela e que também ganhou seis Óscares da Academia. All About Eve tem, naturalmente, uma narrativa mais longa e complexa, mas ambos são bastante interessantes. Esta era a sexta realização de Nicholas Ray, depois de Knock On Any Door (1949), In A Lonely Place (1950) entre outros.
Joan Fontaine está excelente no papel principal, muito doce no início, mas tornando-se muito austera depois de casar com Curtis. É uma mudança subtil, mas definitivamente demonstra a sua capacidade de interpretar. No elenco destacam-se ainda Robert Ryan, Zachary Scott, Joan Leslie e Mel Ferrer.
Legendas em inglês.

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Boas Festas com o MOTM

2011-12-23T20:59:00.000Z

Assim termina o ciclo de Naruse no MOTM. Na minha modesta opinião foi o ciclo mais importante que passou por aqui este ano. Pela importância do realizador e pela dificuldade que temos em encontrar os seus filmes. Ao todo passaram por aqui 33 das suas obras.
Neste ritmo, e sempre por caminhos pouco navegados, lá vamos andando. Sabe bem chegar ao fim de mais um ano e saber que valeu a pena, e que agradamos aos nossos leitores. É nesta altura que se pergunta: será que valeu? Eu espero que sim.
Resta desejar a todos um bom Natal e umas boas entradas em 2012. Já que irá ser um ano de muitas dificuldades, pelo menos que o passem na companhia de bons filmes.
Deixo-vos com um vídeo que já conhecem, e eu ainda volta pra semana com alguns filmes menos conhecidos de Nicholas Ray. Até já.

Nuvens Dispersas (Midaregumo) 1967

2011-12-23T20:43:00.001Z

Yumiko, jovem esposa de um funcionário do Governo, está grávida pela primeira vez. Ela e Hiroshi, o seu marido, planeiam mudar-se para os Estados Unidos, mas os planos ficam destruídos quando, poucos dias antes da viagem, ele é atropelado por um carro, e morre.
No julgamento, o motorista envolvido no acidente é considerado inocente e liberto da obrigação de pagar qualquer tipo de indenização à viúva, mas para se livrar do peso da culpa que massacra a sua consciência, resolve ajudá-la com uma quantia mensal. A partir de um acontecimento trágico estas duas almas unem-se num pacto involuntário, criado, de um lado pelo instinto da sobrevivência e do outro pela tentativa de redenção. Pacto este que, através da dor, acaba por criar em ambos um outro sentimento, com o qual terão de aprender a lidar.
O último filme de Naruse, estreado em 1967 com o nome de Midaregumo fechava uma época. Coincidência ou não, o mais moderno dos realizadores clássicos japoneses era o último a despedir-se do plateau. O último plano deste filme - a magistral Yoko Tsukasa a despedir-se do seu amante num horizonte em que o sol se põe – resta como o epitáfio de uma geração na qual Mikio Naruse discretamente, e à revelia de uma fama extraordinária, se destaca como o mais actual, aquele que é necessário ver.
Legendas em inglês.

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Hit and Run (Hikinige) 1966

2011-12-23T20:18:00.000Z

A personagem de Hideko Takamine tem um fillho ainda muito pequeno, que é atropelado e morto por uma mulher (Yoko Tsukasa), que é a esposa de um empresário importante. Para proteger o nome da família e dos negócios, o marido convence um dos trabalhadores da casa para declarar-se culpado do crime e fuga, assegurando o seu futuro financeiro com grandes somas de dinheiro. No entanto, mais tarde, Takamine descobre a verdade, e faz um plano para vingar-se da mulher que matou o seu filho, tornando-se em primeiro lugar, sua empregada.
Algumas das cenas mais originais são flashes de fantasias de Takamine sobre a morte do rapaz. Elas são mostrados com brilhantes tons de branco e uma música bastante perturbadora e chocante. No final do filme, temos uma reviravolta surpreendente atrapalhando os planos de Takaminem mexendo com a sua sanidade, quase levando à loucura.
Naruse regressou ao formato cinemascope, mas continuou a filmar em preto e branco. Tal como o filme anterior, tem uma história bastante chocante.
Legendas em inglês.

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The Stranger Within a Woman (Onna no naka ni iru tanin) 1966

2011-12-22T20:24:00.001Z

Embora Naruse tivesse demonstrado o domínio da cor e do cinemascope nos seus filmes dos anos 60, ele voltou ao formato a preto-e-branco académico para o seu antepenúltimo filme. Talvez o uso de um formato conservador tivesse a intenção de contrabalançar o facto de que este filme tinha a trama mais chocante de toda a carreira do realizador.
Mais uma vez o filme centra-se num pai de família aparentemente normal (interpretado por Keiju Kobayashi), a mãe (Michiyo Aratama) e duas adoráveis crianças. A tragédia atinge a família dos seus melhores amigos (Tatsuya Mihashi e Mitsuko Kusabue) logo depois do filme começar, a mulher deste casal sem filhos é encontrada morta na sua cama. Através de flashbacks e confissões, é gradualmente revelado que Kobayashi e Kusabue tinham um caso e que ela gostava de "sexo violento" (até que um dia foi muito longe, terminando na sua morte acidental). O objectivo de Aratama é de conseguir que o marido confessa, arruinando a honra da família e da existência da classe média confortável. Ele, no entanto, está sujeito a uma crescente agonia de culpa e remorso. Aratama tem o dilema de não saber o que fazer...
Este filme é tão impressionante visualmente como é sensacional em termos de enredo. Apesar do assunto fora do normal, Naruse tende normalmente a minimizar qualquer sentimento de histeria tratando os eventos quase como se eles retratassem apenas uma outra fatia da vida suburbana comum. Um filme fascinante embora seja mais uma reminiscência do trabalho de Nomura do que um filme típico de Naruse.
Legendas em inglês, mas haverá em português, em breve.

Link com legendas em portugueses
Link com legendas em inglês
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Tormento (Midareru) 1964

2011-12-22T19:57:00.000Z

Reiko (Hideko Takamine) é viúva de guerra, dona de uma pequena loja. O negócio já tinha visto melhores dias e Koji, irmão do marido, regressa a Tóquio para a ajudar. Enquanto, por um lado, é pressionada pelas cunhadas para se voltar casar, por outro, Koji apaixona-se por ela, o que estraga os planos das irmãs…
A palavra japonesa "Midareru" significa estar fora de ordem, ter o coração balançado, cair em desordem, ou estar corrompido. Reiko tem vivido toda a sua vida sacrificando-se em conceitos tradicionais de esposa e viúva. Para Reiko, Koji é o homem mais próximo dela e o único a amá-la. Mesmo as suas cunhadas recomendam-na a encontrar alguém, em parte para evitar problemas na sucessão da propriedade. Reiko está à beira de um escândalo, e qual é o resultado? Talvez a expressão de Reiko na última cena do filme seja a melhor interpretação de Hideko Takamine em toda a sua vida de atriz.
Legendas em inglês.

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Quando Uma Mulher Sobe as Escadas (Onna ga Kaidan wo Agaru Toki) 1960

2011-12-20T20:24:00.001Z

Quando uma Mulher Sobe as Escadas começa com uma das mais elegantes aberturas do cinema de todos os tempos, um show de estilo, pureza, estética e bom gosto, as imagens, um extraordinário preto e branco que capta o bairro boémio de Tóquio, seja pela música, inclassificável e belíssima, alguma coisa entre o jazz e os tambores japoneses, do compositor Toshiro Mayuzumi. E o melhor é que todo esse aparato não se restringirá à abertura e vai continuar pelos próximos 110 minutos, nesta maravilha do cinema japonês que fundou uma mística em volta do seu realizador, Mikio Naruse.
É um filme difícil, pois foi feito para um público adulto, maduro e exigente, e vai entregar aos seus espectadores um conteúdo à altura das expectativas. Conta a história de uma "geisha",uma empregada de bar que tem como função entreter os ricalhaços que vão ali em busca de diversão. Uma geisha não é uma prostituta, nem faz sexo com os clientes. Ela chegou aos 30 anos, a beleza esvai-se de dia para dia, e nesta idade ela tem de tomar uma decisão: ou casar com um dos clientes (tornando-se amante deles), ou abrir o seu próprio bar.
A heroína Keiko, interpretada de forma magistral por Hideko Takamine, ela própria autora do guarda-roupa do filme, tem de escolher entre um cliente gordinho que é atraído por ela ou continuar a esperar pela paixão da sua vida, um rico industrial que é, claro, o mais assediado da zona.
Naruse começou no tempo do cinema mudo e dirigiu, no regime industrial do cinema japonês, mais de 90 filmes. Os especialistas na sua obra dizem que o melhor da sua produção está nos anos 50, e que "Quando uma Mulher Sobe as Escadas" é o ponto mais alto de toda a sua obra.
Legendas em inglês, mas amanhã conto apresentar legendas também em português.

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Summer Clouds (Iwashigumo) 1958

2011-12-20T19:59:00.003Z

Uma das variáveis mais consistente do cinema de Naruse é a sequência de imagens invariavelmente dividida em múltiplos ângulos. Em "Iwashigumo" isso ocorre logo desde o início, como a viúva de um camponês, Yae, e o jornalista da cidade, Okawa, a darem um passeio juntos. No início do filme, Okawa parece ser um narrador conveniente, um meio para Naruse - através de entrevista de Okawa com Yae - para levantar uma série de questões focadas nas mudanças sociológicas que ocorrem no seio da sociedade rural japonesa na década de cinquenta.
Mas Yae e Okawa continuam a passar tempo juntos, primeiro quando ela o leva a passear na sua bicicleta, a partir do ambiente rural da sua casa na cidade de Atsugi, e então, nesse passeio, Okawa explicitamente oferece a Yae a possibilidade de mudar sua vida. "Por algum tempo", diz ele, enquanto caminham à beira-mar, "Eu queria mostrar-lhe um amplo espaço aberto como este para que possas ser mais forte e mais feliz." Aqui, Naruse sublinha isso com um simbolismo visual. Até aqui, o tema da conversa tinha sido sobre a visão do interior, a terra que, literalmente, pesa sobre a vida de Yae através dos seus laços com o sitio onde nasceu, a necessidade de apoiar o filho, e a sua opressão pela sua sogra. Agora, de repente, com este discurso de Okawa, temos uma visão de outro ângulo, a vasta extensão do mar e do céu, e há uma sensação imediata de libertação, uma promessa de liberdade.
Yae é uma grande heroína de Naruse e é a personagem que guia o público através deste filme, abrindo e fechando com ela. Mas o filme não tem apenas ela. A história, cheia de elipses narrativas, é estruturada em torno de um conjunto complexo e confuso inicialmente de parentes da mesma família. Yae é uma viúva de guerra, criando o seu filho e a viver de frustração e ressentimento, com a sua sogra: ela sente que durante os últimos 15 anos nunca viveu como individualidade.
Este seria o primeiro filme de Naruse a cores, e em Scope.
Legendas em inglês.

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Flowing (Nagareru) 1956

2011-12-19T20:16:00.002Z

Dirigido em 1956, ano em que a prostituição foi proibido no Japão, Flowing explora o funcionamento interno de um mundo em mudança, como as gueixas tradicionais enfrentaram o declínio iminente do seu caminho oculto da vida e do espectro da prostituição. Flowing retrata a história de uma viúva, Rika (Kinuyo Tanaka), que é forçada a trabalhar para viver, e torna-se uma empregada doméstica numa casa de geishas em Tokyo onde a sua orgulhosa patroa (Isuzu Yamada) tenta salvar a casa de tornar-se um restaurante ou um bordel. É através Rika que somos apresentados a várias gueixas, que bebem e brigam, preocupam-se com a falta de clientes, e tentam impedir a sua extinção iminente. Baseado num livro de Koda Aya, Flowing é uma vitrine para os poderes de Naruse como a empatia, e o seu talento natural na construção de complexas personagens femininas no grande ecrã. O resultado seria um dos mais inovadores e reveladores de todos os filmes de gueixas feitos até hoje.
Legendas em inglês.

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Nuvens Flutuantes (Ukigumo) 1955

2011-12-19T19:58:00.000Z

Nuvens Flutuantes é passado na dissolução da sociedade japonesa depois da guerra. Yukiko vagueia, figurativa e literalmente, através de uma Tóquio devastada em busca de condições de vida e conforto. Entretanto, ela é constantemente manipulada por homens e obrigada a submeter-se às suas manipulações quando é incapaz de se sustentar.
Uma atmosfera muito interessante, quase hipnótica. Nuvens Flutuantes fala-nos sobre o afastamento, a busca da felicidade, o desinteresse e as quase eternas idas e vindas de um relacionamento. Digo quase eternas, por que tudo na vida é impermanente. Isso Naruse deixa bem claro. Interpretado por Hideko Takamine, a estrela dos filmes de Naruse, e considerado por muitos críticos a grande obra-prima do realizador. Um filme mais para ser sentido do que analisado.
Legendas em inglês.

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A Wife's Heart (Tsuma no kokoro) 1956

2011-12-18T15:12:00.000Z

Um casal, que vive com a mãe do marido, começa a concentrar-se em transformar um pedaço de terra vazio num café. No entanto, aparece um irmão pedindo parte do dinheiro de um empréstimo, para um trabalho. O filme aborda alguns temas difíceis, como o dever para consigo mesmo, em vez de ajudar um membro da família. É de cortar o coração ver tanto esforço investido num sonho, e depois ver os seus entes queridos implorarem por ajuda. Ninguém é o vilão, mas toda a gente é um pouco egocêntrica. Estas são ocorrências diárias, mas são apresentados com uma frescura de que se não vêem nestes dias.
Os melhores momentos deste filme envolvem as coisas que não são ditas ou vistas e estão mais explícitas nas interações entre Kiyoko (Hideko Takamine) e o funcionário do banco e confidente Kenkichi (Toshiro Mifune). Naruse nunca foca a dupla a falar de dinheiro.
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Esposa (Tsuma) 1953

2011-12-18T02:36:00.000Z

Minieko e o seu marido Nakagawa dão-se mal. Estão casados há 10 anos e o comportamento dela para com o marido não é o de uma esposa dedicada. Nakagawa procura encontrar consolo e carinho junto da secretária. Um dia Minieko descobre e vai querer vingar-se.
Esposa começa e termina com voice overs das vozes de Mihoko Nakagawa (Mieko Takamine) e do seu marido Toichi (Ken Uehara). Eles não falam, eles não fazem contacto físico e realmente não parecem gostar um do outro.
Mikio Naruse especializou-se em fazer shomin-geki, filmes que retratavam pessoas da classe baixa no Japão. Naruse é talvez o mais importante para os que destacam personagens femininas fortes, que costumam habitar tantos dos seus filmes. Em 1953 , em "Esposa", Naruse novamente guia a história de uma mulher a lutar por uma posição economicamente estável. Desta vez, o filme também inclui o seu marido, da mesma forma, preso numa posição indesejada.
Apesar da história um pouco confusa, este ainda é um filme de Naruse e continua a ser interessante apesar de suas falhas. Meditações sobre as condições de vida de centenas de milhares de viúvas da guerra, no início dos anos cinquenta são comoventes mostrando como, apesar de em forte maioria numérica, as mulheres japonesas mantiveram uma certa subclasse. Embora existam opiniões divergentes sobre a Segunda Guerra Mundial, em 1953 elcertamente que Naruse não tinha a sua definida.
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Crisântemos Tardios (Bangiku) 1954

2011-12-16T21:08:00.000Z

Kim (Haruko Suguimura) é uma ex-geisha que agora se dedica a emprestar dinheiro a empresárias nocturnas da zona. Um dia Tabe, um antigo amante por quem ainda está apaixonada, escreve-lhe anunciando que a vai visitar. Kim, qual adolescente, tenta entusiasticamente parecer o mais atraente possível. Quando Tabe lhe confessa que veio pedir dinheiro, ela fica destroçada.
Tristeza e nostalgia pairam à volta deste filme realizado por Mikio Naruse. É um ensaio sobre três vidas em marcha lenta, constantemente em reclamação, três ex-gueixas no Japão do pós-guerra, e é uma peça de cinema maravilhosa. Elas costumavam ser amigas nos velhos tempos, mas agora a sua relação é tensa porque uma delas tornou-se uma agiota de sucesso e as outras devem-lhe dinheiro.
Este é um filme muito lento, mas Naruse tem a capacidade de fazer muito com muito pouco. Naruse parece simpatizar com personagens desesperados, e ele pinta retratos vivos que fazem os personagens parecerem ainda um pouco nobres na sordidez do seu desespero. Embora não seja dos melhores filmes de Naruse, é importante como um fragmento da obra de um grande realizador, e pouco conhecido.
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Sound of the Mountain (Yama no oto) 1954

2011-12-16T20:36:00.000Z

A partir de um livro do escritor Yasunari Kawabata, Nobel de Literatura, Naruse compôs o esplêndido Sound of the Mountain, colocando em jogo mais uma sofredora personagem de Setsuko Hara, forçada a engolir o pão que o diabo amassou na pele da jovem Kikuko, uma mulher dedicada a um homem que lhe é infiel e que a trata pior do que uma empregada. Além do marido, ela divide o tecto com os sogros, estes abordam-na com ternura, em especial o sr. Ogata, conhecedor da traição do filho, mas relutante em interferir na vida do casal.
Guiado por uma mise-en-scene artesal, o elenco de Sound of the Mountain é avaliado sob uma ótica bastante próxima de Yasujiro Ozu. Naruse é bem mais ácido, não tem o cuidado de suavizar a rudeza de alguns personagens. O actor Ken Uehara volta a interpretar aqui um ser antipático, que raramente demonstra intenção de se redimir ou de tratar a esposa com delicadeza. Ao longo do filme, ele esboça pouco arrependimento, inclusive. Essa tangência para com temas característicos de Ozu, como o julgamento dos valores familiares e a sua derrocada, não parece vir ao acaso.
Um dos mais conhecidos de Naruse. Legendado em inglês.

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Um Casal (Fûfu) 1953

2011-12-16T20:11:00.000Z

O contexto aqui é desenhado em torno de um casal e os seus colegas e amigos, onde o tema da discórdia conjugal é consistente e penetrante. O enredo tece em torno de dentro dessas limitações, trazendo à tona os vários aspectos da eterna batalha dos sexos. Ken Uehara e Yoko Sugi interpretam o jovem casal.
Sugi nunca tinha interpretado nada a não ser uma jovem e doce menina, mas ela desempenha muito bem o papel de uma esposa desiludida com perfeição. A franqueza e rigor com que Naruse investiga a classe média/baixa é uma bela aula de psicologia e revela o lado mais obscuro da vida, tal como a tentativa de aborto forçado, que teria sido absolutamente tabu nos filmes ocidentais da altura . O final inconclusivo do filme Virá caracteriza o cinema de Naruse e sua semelhança com a vida real.
Legendas em inglês.

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Relâmpago (Inazuma) 1952

2011-12-14T19:52:00.001Z

Mais um filme centrado sobre uma figura feminina. Kiyoko, 23 anos, cobradora de autocarro, vive no seio de uma família de inadaptados nos arredores de Tóquio. Quando Kyoko assume que quer algo mais da vida do que um casamento negociado pela família, os conflitos começam. A dissolução familiar é vista pelo lado da cobiça, em que os membros da família se engalfinham para ter um pedaço do “seguro de vida” recebido por uma das filhas ao ficar viúva. O ponto de vista é absolutamente singular: acompanhamos pelo olhar de uma das filhas, Kyoko.
"Inazuma" é uma de várias novelas de Fumiko Hayashi adaptadas por Mikio Naruse para o grande ecrã. No papel principal temos a actriz regular de Naruse, a soberba e graciosa Hideko Takamine como Kiyoko, a mais caçula de quatro irmãs, todas com pais diferentes.
O tom que Naruse confere a este drama familiar é absolutamente notável, acompanhando o desencanto de Kiyoko com uma serenidade e um equilíbrio tipicamente japoneses. As soluções de mise-en-scene são sempre discretas mas formidáveis, optando por planos mais abertos, mesmo nos interiores, que dialogam com o distanciamento desses personagens. Essa tristeza em relação à cobiça de um Japão no caminho de suas "transformações modernizantes" é vista de uma forma pessimista, optando pelo isolamento ao invés do enfrentamento dos problemas. Essa serena desilusão é retratada por Naruse com o seu estilo do costume "belamente simples", mas aqui de justo impacto emocional.
Legendas em inglês.

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Okuni and Gohei (Okuni to Gohei) 1952

2011-12-14T18:43:00.000Z

O Japão ainda está debaixo do regime de Tokugawa. Numa tarde, dois viajantes atravessam o planalto de Nasuno. Eles são Okuni e Gohei. Okuni é a viúva de uma família samurai. O seu marido, Iori, tinha sido morto por Tomonojô, que fora apanhado num triângulo amoroso com Okuni e Iori e matou Iori de uma forma muito cobarde. Gohei era um dos servos de família de Iori. Naqueles tempos era hábito que as famílias procurassem vingança da pessoa que matou um dos seus membros. Assim, Okuni deixou a sua cidade natal em busca de vingança contra Tomonojô pela morte de seu marido. Energética, mas não acostumada a longas viagens, ela fica doente, levando-os a permanecerem por dois meses em Utsunomiya. Depois de recuparar, ela continua com a ajuda de Gohei a sua busca por vingança, mas eles não têm qualquer destino específico em mente. Já se passaram três anos desde que começaram o seu caminho errante.
Este filme foi uma das raras investidas de Naruse em território samurai. Baseado numa peça escrita por Junichiro Tanizaki no início dos anos 1920, este obra acaba por ser quase tão Naruse-esque como um filme de samurais concebivelmente poderia ser. É quase totalmente desprovida de acção, e em vez disso, dedicada à exploração das personalidades dos personagens centrais e a natureza de seu relacionamento. E, claro, os protagonistas estão presos em uma situação insustentável.
Mais uma das grandes raridades de Naruse, com legendas em inglês.

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Repast (Meshi) 1951

2011-12-13T21:01:00.000Z

Baseado num romance inacabado de Fumiko Hayashi, relata o drama de um casal que se muda para um bairro humilde em Osaka, depois do fim da Segunda Guerra Mundial. O amor vai aos poucos confrontando-se com as dificuldades financeiras do casal. Cansada da sua rotina e descontente com a chegada de uma prima do marido, Michiyo abandona a sua casa e volta para Tóquio, onde tenta iniciar uma nova vida.
A refinada composição dramática do argumento e a descrição precisa dos mais íntimos sentimentos de uma mulher são os elementos centrais deste estudo psicológico, típico do realizador Mikio Naruse, que conquistou um grande sucesso com este filme, tornando-se o mais popular realizador da temática feminina no Japão.
Filme-chave na carreira de Naruse.
Legendado em português.

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Ginza Cosmetics (Ginza keshô) 1951

2011-12-13T20:43:00.000Z

Alguns dias na vida de uma Geisha, Yukiko (Kinuyo Tanaka), mãe solteira de uma rapaz inteligente, ambos vivendo no distrito de Ginza, em Tóquio. Uma mulher devotada a ajudar os outros, ela irá acabar por fazer parte de um dos muitos disfarces de Ginza.
Dirigido por Naruse no início dos anos 50, este filme não tem grandes momentos, e parece uma captura da vida relativamente mundana de Yukiko, no seu encontro infeliz com vários homens que a decepcionam sempre, e de como ela cuida do seu único filho. Estas observações representam um pedaço da vida mundana, e nunca dramatizam ou chafurdam no melodrama teatral, o que é bastante louvável, dada a tendência usual que estes filmes tendem em caírem. Kinuyo Tanaka tem uma interpretação tranquila da sua Yukiko, sendo incapaz de mudar o seu destino de ser uma mãe solteira.
Legendas em inglês.

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2011-12-11T14:42:00.000Z

Depois deste fim-de-semana dedicado a Nicholas Ray vamos regressar a Naruse, para a segunda parte do seu ciclo. Parte esta que incluirá os seus filmes das décadas de 50 e 60, que são consideradas as décadas de Ouro da sua filmografia. Fica no entanto a promessa de que este mês ainda vamos voltar a Nicholas Ray.
Boa semana.

Suborno (The Racket) 1951

2011-12-11T14:38:00.000Z

O grande sindicato nacional do crime mudou para a cidade e está a fazer parceria com o chefe do crime local, Nick Scanlon(Robert Ryan). Só há 2 problemas: Primeiro, Nick é um tipo violento e prefere fazer as coisas à moda antiga, não usandos os métodos inovadores do sindicato. O segundo problema é McQuigg(Robert Mitchum), o único policia honesto das forças policiais e o seu parceiro Johnson. Juntos, eles tentam apanhar o violento Nick e estragar os planos do sindicato.
John Cromwell fizera o papel do polícia na montagem original (em 1927) da peça que deu origem ao filme, que já fora objecto de uma versão cinematográfica durante o período mudo. No ano seguinte a "The Racket" Cromwell entraria para a “lista negra” elaborada pelo maccarthismo e só voltaria a filmar em 1958. Os comentadores dividiram-se quanto à real intervenção de Nicholas Ray neste filme, sendo hoje praticamente certo que ela foi mínima. Mas é um título que, à conta da lenda e da polémica, acabou por entrar no “cânone” de Ray.

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Inferno nas Alturas (Flying Leathernecks) 1951

2011-12-11T14:21:00.000Z

John Wayne e Robert Ryan interpretam este "Inferno nas Alturas", um intenso filme de guerra, sob a direção de Nicholas Ray, que conseguiu atrair o Estúdio RKO e a paixão de Howard Hughes pela aviação, a produzirem este filme. Wayne interpreta o Major Dan Kirby, comandante do Esquadrão do Corpo de Aviadores da Marinha do Pacífico Sul, na Segunda Guerra Mundial. Depois de testemunhar a matança de seus comandados em Midway, o mau-humorado Kirby endurece o combate, contrariando frontalmente o seu subcomandante (Ryan). Emoções não faltam nos combates aéreos, principalmente quando o comandante é abatido, e ainda é obrigado a dar ordens de missões suicidas aos seus pilotos. Uma decisão sofrida e bastante contestada pelos seus subornados. Belíssimo filme de guerra, com tramas psicológicas que todos os soldado em combate são obrigados a passar. Ação do começo ao fim, num filme rodado em Technicolor.

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O Íntimo Segredo duma Mulher (A Woman's Secret) 1949

2011-12-10T14:44:00.000Z

O argumentista Herman J. Mankiewicz adoptou a mesma técnica de flashback-prismático que ele tão bem soube usar em "Citizen Kane", neste drama de 1949, "A Woman's Secret". Baseado numa novela de Vicki (Grand Hotel) Baum, o filme começa com o assassínio da cantora de cabarets Susan Caldwell (Gloria Grahame). Marian Washburn (Maureen O'Hara), que tinha ajudado Susan a chegar à ribalta, confessa o crime. Nem o pianista amigo de Marian, Luke Jordan (Melvyn Douglas) nem o policia-inspector encarregue do caso Fowler (Jay C. Flippen), acreditam que Marian seja a criminosa, e vai ser a sua investigação que vai determinar o verdadeiro culpado.
Os detalhes do filme são muito inteligentes, e o argumento tem algumas partes um pouco piegas. Nicholas Ray gravou este filme antes da sua estreia oficial, "They Live by Night", mas acabaria por ser liberado apenas depois.

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O Crime Não Compensa (Knock on Any Door) 1949

2011-12-10T14:25:00.000Z

Apesar de Humphrey Bogart ser a estrela oficial de Knock on Any Door, o filme é essencialmente um veículo para a nova descoberta da Columbia, John Derek. Primeira produção da companhia de Bogart, a Santana, contava com o próprio Bogart no papel do advogado Andrew Morton. Também ele produto do ghetto, Morton é persuadido a levar a tribunal o caso do adolescente carente Nick Romano(Derek), que foi preso com uma acusação de assassínio. Através de flashbacks, Morton demonstra que Romano é mais uma vítima da sociedade do que um assassino nato. Embora esta estratégia de defesa não tenha o resultado desejado no júri, graças ao advogado da DA Kernan (George Macready), Morton consegue despertar simpatia pelo sofrimento daqueles que estão presos por circunstâncias de uma existência sem saída.
Como Nick Romano, John Derek nunca estaria melhor, nem nunca mais interpretou um personagem que marcasse tão sensivelmente uma plateia. O slogan utilizado por Nick neste filme: "Live fast, die young, and leave a good-looking corpse", tornou-se num símbolo para muitas gerações.
Este sería o segundo filme de Nicholas Ray, depois de "They Live By Night". Bogart viu-o e fez questão de convidar Ray para realizar esta obra.

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White Beast (Shiroi Yajuu) 1950

2011-12-09T16:26:00.000Z

O terceiro filme que Naruse realizou em 1950, foi descrito por um crítico da Kinema Junpo, três anos mais tarde como uma obra "tão indescritivelmente miserável que me assombra até hoje". O crítico, Tsumura Hideo, Tsumura representava uma boa parte da crítica japonesa da altura, que achava que Naruse tinha atravessado uma quebra terrível durante toda a década de 40, e este filme parecia ser o "fundo do poço". Na realidade, a crítica da altura, não estava claramente preparada para aceitar um filme sobre uma mulher na prisão, com ex-prostitutas a recuperarem de doenças venéreas, gravidez indesejadas, e amantes alienados. Com as suas "catfights", birras femininas histéricas, iluminação típica do film noir, e a banda-sonora dramática, "White Beast" era um indicativo das novas influências do thriller psicológico de Hollywood sobre Naruse. Caged (John Cromwell, 1950) iniciou um ciclo de filmes de mulheres na prisão nos Estados Unidos, que pode ou não ter sido mostrado no Japão, mas a estilística de "White Beast" de desenhar no filme a mesma mulher paranóica e as convenções habituais do filme noir que precedeu o ciclo americano estão bem patentes nesta obra.
Um filme de Naruse fora de tempo, mas que merece uma revisão nos tempos que correm.
Legendado em inglês.

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Even Parting is Enjoyable (Wakare no Tanoshi) 1947

2011-12-09T15:59:00.000Z

"Even Parting is Enjoyable" é em alguns aspectos, o oposto de "Spring Awakens". Lançado em março de 1947, é um episódio de 25 minutos de um filme de quatro partes, que tinha a intenção de mostrar o revivalismo do pós-guerra dos estídios Toho, e posicionou-se em oitavo lugar no top de filmes do ano da Kinema Junpo. Os outros episódios foram dirigidos por Toyoda Shiro, Kajiro Yamamoto, e Teinosuke Kinugasa, e de acordo com Audie Bock, o segmento de Naruse foi originalmente planeado para ser realizado por Yutaka Abe. Usando apenas dois sets, um bar e um apartamento, esta curta-metragem é sobre uma dançarina chamada Mitsuko (Michiyo Kogure), cujo amante, mais jovem, a tinha deixado. Embora não haja beijos envolvidos, o casal dança no apartamento, e há um certo sensacionalismo implícito na caracterização de Michiyo como uma mulher contida. Ela foi avisada de que Arita (Numazaki Isao) tem outra amante, mas quando ele a visita finge não saber a verdade, de seguida, seduz Arita com uma dança de tango, para finalmente deixá-lo ir, fingindo ter outro amante ela mesma. O barman e a sua esposa, do outro lado da rua, estão entretanto ocupados com um homem mais velho chamado Yoshioka, que tentam apresentar a Mitsuko.
A simplicidade deste filme é o seu maior trunfo, e se as performances são bastante fortes, tem um grande potencial como melodrama. O retrato psicológico de uma mulher fingindo não ser ferida, tentando usar o seu "talento" como sedutora, e na falta, é um desafio para um intérprete, exigindo uma capacidade de "colocar" uma série de rostos diferentes na personagem. Naruse usa a iluminação e a música de forma eficaz que, juntamente com o uso do telefone, acrescenta um elemento a esta história noir, muito urbana.
Legendas em inglês.

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Spring Awakens (Haru no Mezame) 1947

2011-12-09T12:14:00.003Z

"Haru no Mezame" era a terceira longa-metragem de Naruse no pós-guerra, e uma agradável surpresa. É um belo pedaço de vida, centrado à volta da vida de uma jovem estudante numa comunidade rural - interpretada por Yoshiko Kuga, então com 16 anos (futura estrela de filmes como Portrait of Madame Yuki, Banka, Equinox Flower, Good Morning).O filme quase não tem cenas faladas, apenas acontecimentos normais na escola, em casa e andar na rua com os amigos.
Este é ostensivamente um filme sobre a educação sexual - quase sem nenhuma educação - mas é incrivelmente belo. A primavera e o início do verão no cenário de Nagano, ecoa a sexualidade nascente nos jovens personagens do filme. Uma boa dose de poesia romântica alemã também contribui para os imponderáveis males da atmosfera sexual. O filme não é perfeito, o elenco é inexperiente e, obviamente, o filme hipocritamente evita uma discussão franca sobre o sexo. Mas, mesmo que a sublimação da sexualidade vai contra a ideologia da superfície do filme, ela faz com grande beleza.
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A Descendant of Urashima Taro (Urashima Taro no Koei) 1946

2011-12-07T16:27:00.000Z

"A Descendant of Urashima Taro" constitui uma espécie de fantasmagoria das oportunidades perdidas de uma democracia revolucionária baseada na aspiração colectiva para a renovação nacional. Como um produto de estúdio feito com medidas bastante rígidas em termos de censura, este é um filme de Naruse que não se leva inteiramente a sério. O kitsch, mise-en-scene e a narrativa, foram feitos com base em fontes tão diversas como Mr. Smith Goes to Washington e uma antiga fábula japonesa, pode ser interpretado como uma espécie de "despertar" a partir do sonho de chavões vazios e posturas políticas. Se a ideologia explícita do filme não é bem preparada para separar a liberdade política ou a democracia liberal do capitalismo. A instabilidade da nação é transmitida de forma inequívoca neste filme "surreal" da obra de Naruse.
Naruse disse, mais tarde, que foi obrigado a fazer este filme.
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This Happy Life (Tanoshiki kana jinsei) 1944

2011-12-06T16:55:00.000Z

Com a Segunda Grande Guerra em pleno andamento, Naruse tenta trazer um pouco de optimismo para o seu país, e para as suas tropas. Nada como uma pequena história de solidariedade, bom humor e vontade de viver. Um momento da vida de uma pequena cidade, onde todos têm hipótese de sorrir novamente. Esta vida feliz é pura propaganda de guerra, mas propaganda um pouco fora do comum. Há pouco, ou nenhum, sentimento militarista expresso - apesar de o personagem mais simpático pregar os prazeres da cozinha alemã. Ao contrário, a missão do filme é instruir a frente de batalha, sobre a forma dos japoneses se contentarem com as migalhas e suprimentos disponíveis, e para demonstrar que as pessoas podem ser felizes, não importando as circunstâncias financeiras difíceis em que se encontrava o país, em 1944.
Tornou-se num filme um pouco datado, mas é uma das maiores joias de Naruse dos anos 50.
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A Canção da Lanterna (Uta-andon) 1943

2011-12-06T16:30:00.000Z

Um jovem actor egocêntrico humilha um idoso, que de seguida comete suicídio. Este acto de crueldade obriga o pai a deserdá-lo, levando o jovem prometido a uma bela vida, agora a viver nas ruas. Mas o seu desejo de reconquistar o respeito do pai e o perdão da filha do actor morto empurram-no em direcção a uma existência mais nobre. Naruse aplicou uma estrutura delicada de mise-en-scéne neste melodrama familiar, que evoca, em algumas partes, o trabalho de Josef von Sternberg.
Uma história de amor filial, crueldade, castigo e finalmente redenção, protagonizada por duas gerações de actores de teatro Nô (pai e filho adoptivo). Filmado em plena II Guerra Mundial, Naruse afirmou, a propósito deste filme que, "apesar das intromissões do Ministério do Interior, creio que consegui fazer um filme digno".
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Hideko, the Bus Conductress (Hideko no shashô-san) 1941

2011-12-05T21:25:00.000Z

Trata-se da história de uma jovem "hospedeira de autocarro" chamada Okomo (interpretado por Hideko Takamine, daí o título) cujo objectivo é tornar-se numa espécie de guia turística para os passageiros do velho e feio autocarro onde trabalha.
É com uma simplicidade enorme, e de forma tocante, que Naruse retrata a inocência e o empenho de Okomo e do seu colega motorista em tentar vencer o autocarro rival, mais moderno e mais atractivo para os passageiros. Tocante pois eles são capazes de convencer o patrão a contratar um escritor profissional para escrever o discurso que Okomo fará enquanto guia, porque para eles é uma felicidade imensa poderem sentir que concretizaram o seu objectivo e porque apesar disto, não lhes é revelado que são os únicos a acreditar no seu plano, visto que o próprio patrão apenas espera por um pretexto para fechar as portas e desfazer-se do autocarro. São 54 minutos que passam muito rápido entre alegrias e frustrações, intercaladas com cenas deliciosas e hilariantes de tão inocentes que são.
Apesar de não ser uma obra prima e de ser visível que é um trabalho feito com poucos meios, ao longo do filme, Naruse acaba por prever o futuro próximo (note-se que o filme foi editado apenas 3 meses antes da entrada do Japão na 2º Guerra Mundial), retratando de forma aparentemente encoberta pela leveza e simplicidade das personagens, a geração de jovens que tanto se esforçaram para alcançar os seus sonhos, apenas para os verem destruídos pouco depois, tal como Okomo.
Foi com este filme que a senhora Hideko Takamine se tornou uma das maiores actrizes japonesas, e esta seria a sua primeira colaboração com Naruse.
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Tsuruhachi Tsurujirô (Tsuruhachi Tsurujirô) 1938

2011-12-05T20:46:00.000Z

Um dos poucos filmes históricos de Naruse, cuja acção se desenrola no início do século XX. É também uma história de amor, de encontros, zangas e reencontros entre as duas personagens que dão título ao filme. Ela tocadora de shamisen e ele cantor. Naruse afirmou que se sentiu particularmente à vontade ao realizar este filme: “Ía de encontro aos meus gostos”.
"Tsuruhachi e Tsurujiro” era em primeiro lugar, um veículo para as estrelas Isuzu Yamada e Kazuo Hasegawa. Adaptado por Naruse de um romance de Kawaguchi Matsutaro, é um filme de uma grande beleza técnica, assim como tem uma excelente protagonuzação da dupla central. O filme tem muitas sequências musicais, bem compostas apesar de faltar a profundidade temática de outros trabalhos de Naruse.
Legendas em inglês.

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Sondagem: Ciclo do ano no MOTM

2011-12-04T17:44:00.001Z

Mais um ano que quase passou cheio de filmes, no My One Thousand Movies. Aqui fica um apanhado de alguns dos ciclos por aqui realizados. Gostava que votassem no vosso preferido, que dissessem o que acharam deste ano que passou no blog, e o que esperam para o próximo ano. Podem deixar sugestões na própria sondagem, inclusivé de ciclos que poderão passar por aqui.
A sondagem estará activa até ao fim do mês.

Qual foi para ti o ciclo do ano no My One Thousand Movies?
	Nova Vaga do Cinema Britânico (anos 60)
	Fantas MyOneThousandMovies
	Cinema Africano
	Cinema Chinês
	Golden Age of Porno
	Pérolas do Século XXI
	Giallo
	Straub e Huillet
	Mikio Naruse
	Atom Egoyan + Hal Hartley

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Avalanche (Nadare) 1937

2011-12-04T16:05:00.000Z

Goro é um jovem mimado, de uma família abastada do japão dos anos 30. Ele tem duas amantes Yayoi e Fukiko. Os seus pais querem que ele se case com Fukiko, mas ele não quer desistir de Yayoi. Goro fala muito sobre aquilo que ele considera ser a vida ideal, mas o seu pai insiste em dizer-lhe que isso não existe na realidade. Com alguma maldade ele planeia um golpe definitivo contra o seu pai, um complot para cometer suicídio com Fukiko, mas a sua natureza egoísta e cobarde sobe-lhe à cabeça.
O pano de fundo deste filme mostra-nos um cenário surpreendentemente contemporâneo. A casa, a mobília, ea estrada não são muito diferentes do modo como vivemos hoje, o que nos faz perguntar o quanto temos avançado em qualidade de vida.
"Nadare (Avalanche)", realizado em 1937, é baseado numa novela escrita por Jiro Osaragi, e tem a particularidade de Akira Kurosawa, então com 26 anos, ter sido assistente de Naruse. Na sua autobiografia, Kurosawa disse que Naruse não tinha ficado muito satisfeito com o resultado final, mas que tinha aprendido muito durante a rodagem.
Apesar do título em inglês, não existe nenhuma avalanche no filme.
Legendas em inglês.

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Learn from Experience, Part I e 2 (Kafuku zempen/ Kafuku kôhen) 1937

2011-12-04T15:40:00.000Z

Romance em duas partes (com pouco menos de três horas de duração) é baseado numa história do famoso escritor Kikuchi Kan (que também fundou um dos prémios mais prestigiantes da cultura literária japonesa, em homenagem ao colega Akutagawa). É uma mistura surpreendente de real e irreal. Toda a gente no filme parece vir de famílias maravilhosamente ricas - e vivem em casas e apartamentos muito grandes. As interacções humanas são normalmente retratadas de um modo bastante realista.
Acompanhamos Toyomi (interpretada por Takako Irie, estrela do filme de Mizoguchi, Water Magician), uma mulher rica apaixonada por Shintaro(Minoru Takada), um jovem também rico. Infelizmente, o pai de Shintaro está no processo de lhe arranjar um casamento com Yurie (Chieko Takehisa), a herdeira de outra família bastante rica. Tentando evitar isto, os dois jovens amantes voam para Toquio para viverem juntos. Quando Shintaro regressa a casa para proclamar as suas intenções de casar com Toyomi, o seu pai intimida-o para casar com Yurie. Não vou contar mais da história que é longa, e divide-se em dois filmes.
Esta obra revela uma incrível americanização do Japão. Reflexos da cultura americana abundam por todo o lado - cartazes publicitários, carros, roupas, música. Da geração mais jovem, Toyomi permanece firmemente tradicionalista, vestindo apenas quimonos - até à sua cena final (onde ela também está vestida com a última moda dos ocidentais). Igualmente surpreendente, enquanto o filme é cauteloso na sua descrição da relação proibida antes do casamento, é que não há nenhum indício de desaprovação moral por parte do realizador. Visualmente, esta obra é apresentada de uma forma muito simples, mas com uma liberdade fora do comum nos movimentos de câmera. "Kafuku Zempen" e "Kafuku Kôhen" podem não ser obras-primas cinematográficas, mas são peças interessantes e divertidas de entretenimento popular. Hoje em dia são grandes raridades da cinematografia de Naruse, que devem ser vistas em conjunto.
Legendas em inglês.

Kafuku Zempen
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Kafuku kôhen
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The Girl in the Rumor (Uwasa no Musume) 1935

2011-12-03T11:53:00.000Z

Um filme visualmente maravilhoso, mesmo que com uma narrativa um pouco abrupta ocasionalmente. Uma história de duas irmãs, a mais velha é a mais tradicional, a mais jovem é uma "moga" ("rapariga moderna"). O pai, viúvo, gere uma loja como negócio de família, mas sente algumas dificuldades financeiras (levando-o a tomar algumas algumas más decisões). Enquanto isso, o negócio da amante do pai também não vê os melhores dias. Entretanto, a irmã mais velha é apresentada a um pretendente, um jovem rico, que por sua se interessa pela mais nova.
Mais um dos primeiros filmes falados de Naruse, não é dos mais conhecidos mas é das maiores raridades que será apresentada neste ciclo.
Legendado em inglês.

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Que Sejas Como Uma Rosa, Oh, Minha Mulher (Tsuma yo bara no yo ni) 1935

2011-12-03T04:43:00.000Z

Este filme de 1935 é aquele onde Naruse afirma definitivamente a sua narrativa. Como a generalidade da sua obra, trata-se de um melodrama em cores sombrias e percorrido pelo pessimismo. Um jovem procura, em vão, fazer o pai voltar para a mãe que abandonara.
Esta é uma história de amor que decorria no momento em que a máquina de guerra japonesa violava Nanking (Nanjing), escravizava mulheres coreanas, atacava as Filipinas, e preparava-se para bombardear a Austrália e América. Estes contrastes são surpreendentes, como é o contraste que nos dá a lição do filme. Naruse-san ensina-nos que a verdade sobre uma pessoa não reside nas palavras e indeferências faladas, mas sim na observação directa e compreensão.
Foi um dos primeiros filmes falados no Japão, logo realizado por um dos seus autores mais desconhecidos.
Legendas em inglês.

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Street Without End (Kagirinaki hodo) 1934

2011-12-03T04:18:00.000Z

Este seria o último filme mudo de Naruse, e também o seu último filme para a Shochiku. Street Without End é baseado numa história popular de Komatsu Kitamura, e o argumento foi adaptado por Tomizo Ikeda. Tal como o filme que o precedeu, Street Without End conta a história de um acidente de automóvel, que vai dar seguimento a todo o filme.
Setsuko Shinobu interpreta Sugiko, uma jovem empregada de mesa, que é atropelada por um carro, quando pensava se havia de casar com o namorado (Ichiro Yuki), que íria contra a opinião da sua família, ou se aceitava a oferta para seguir carreira de actriz de cinema. A sua cabeça pairava entre as nuvens na possibilidade destes dois cenários, quando o carro de Yamanouchi embate nela. O jovem condutor (Hikaru Yamanouchi) rapidamente a leva a perder tanto o casamento como a oferta de emprego, mas oferece-lhe outra coisa.
Todos aqueles que procuram um legado na filmografia de Naruse, ficarão satisteitos com este seu derradeiro filme mudo. Até o título do filme sugere uma descida ao inferno. Curiosamente, há aqui traços de conto de fadas surreal, a nossa heroína é perseguida e atormentada pela sua mãe perversa e pela cunhada. Quase que esperamos uma fada madrinha que caminhe Sugiko para a luz. Mas quem conhece a filmografia inicial de Naruse, sabe que tal não irá acontecer.
Um dos filmes mais interessantes deste primeiro período de Naruse.
Intertitles em inglês.

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Apart from You (Kimi to Wakarete) 1933

2011-12-01T18:47:00.000Z

Uma gueixa (Mitsuko Yoshikawa) luta para sustentar o filho em idade escolar. Ele, contudo, envergonhado com a mãe, começa a associar-se a jovens rebeldes. Uma jovem, colega da sua mãe, também preocupada com ele, pede para que este não decepcione a sua mãe. Para lhe mostrar o quanto ele tem sorte, ela leva-o a visitar a sua família disfuncional.
Em Apart From You, Mikio Naruse fixa a sua objetiva sobre a vida das mulheres trabalhadoras, que ele continuaria a fazer ao longo da sua longa carreira. Neste drama gentilmente devastador, um avanço fundamental para o realizador, ele contrasta a vida de uma gueixa envelhecida, cujo filho adolescente tem raiva e vergonha da profissão da mãe, com a sua homóloga juvenil, uma linda jovem ressentida com os problemas da sua família.
Este é um é um bom exemplo de como as histórias tradicionais, e até mesmo os melodramas pesados podem, apesar da sua familiaridade, ser eficazes nas mãos certas. Naruse descarta os zooms pesados e desenvolve uma mis-en-scene mais elegante. Em apenas uma hora de filme, a história nunca se prolonga por demasiado tempo, e confia mais na sugestão do que na dramaturgia exaustiva. Em particular, o foco do realizador nos pequenos detalhes, sobre os componentes individuais do quotidiano, cria um retrato mais eficaz do que são a generalidade das pessoas.
Intertitles em português.

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Every Night Dreams (Yogoto no Yume) 1933

2011-12-01T18:19:00.000Z

Sumiko Kurishima interpreta uma mulher cujo marido a tinha abandonado depois do nascimento do seu filho. À falta de uma melhor opção, foi obrigada a manter o filho como empregada de um bar no porto. Quando o seu marido (Tatsuo Saito) regressa, o primeiro impulso é para o rejeitar, mas os seus vizinhos convencem-na a dar-lhe uma segunda hipótese. Saito prova ser um pai atencioso e um marido amoroso, mas no meio de uma crise económica é incapaz de encontrar trabalho. Quando o filho é atropelado e ferido num acidente, ele tenta conseguir dinheiro para pagar os cuidados médicos comentendo um assalto...
1933 provou ser um ano marcante para Naruse e para o cinema japonês mudo. Yogoto no Yume ficou em terceiro entre as grandes produções do ano, segundo a prestigiada revista, Kinema Jumpo, atrás de "Dekigokoro", de Ozu e "Taki no Shiraito" de Mizoguchi, logo seguido por outro filme de Naruse "Apart from You".
Tal como os outros realizadores japoneses dos anos trinta, Naruse tinha o privilégio de explorar as possibilidades criativas do cinema mudo muito depois dos cineastas ocidentais, porque o som só chegaria mais tarde a este continente. O resultado é que Yogoto no Yume tem um uso extremamente sofisticado de técnicas cinematográficas, com todas as cenas a destacarem-se por um talento artístico cuidadosamente composto.
Nesta película de 64 minutos, Naruse foi capaz de desenvolver a sua visão da vida. Para muitos observadores, a sua filosofia era caracterizada por uma enorme tristeza, uma atitude pessimista que era mesmo niilista no seu desespero. Tal avaliação era talvez demasiado generalizada, e podia ser enganosa. A visão de Naruse em Yogoto no Yume, como em muitos outros filmes, é, sem dúvida, trágica e céptica na sua opinião impiedosa das limitações humanas quando se confrontam com um destino numa ordem desigual social.
Intertitles em inglês.

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Flunky, Work Hard! (Koshiben Gambare) 1931

2011-12-01T17:46:00.001Z

"Koshiben Gambare", o mais antigo dos filmes sobreviventes de Naruse, não é o tipo de homenagem à mulher porque ele era mais conhecido nas décadas de 50 e 60, mas sim uma comédia sobre um agente de seguros tímido, dominado em casa, que parece não conseguir alcançar os seus objectivos.
Tematicamente é uma grande comédia, como as de Ozu no início dos anos 30, mas as comédias de Ozu eram mais modernas e ocidentais, tal como se ele fosse um Leo McCarey japonês, enquanto que as de Naruse eram muito menos acessíveis a um público ocidental, e mais dedicadas ao público caseiro. Ainda assim, as preocupações são universais numa idade moderna, quando o escravo assalariado se torna ridículo, para conseguir manter a cabeça acima da água, e os japoneses em particular, quando falam sobre este tema, foram bastante refrescantes.
Há um ar melancólico na fotografia e podem ser vísiveis os detritos do Japão ainda em fase de industrialização. Naruse escreveu e dirigiu esta espécie de curta, de 28 minutos, que provoca uma grande variedade de respostas emocionais, apesar de recorrer ao cliché melodramático de ter o filho sem vigilância ferido num acidente. O que nos surpreende é a fluidez da câmara de Naruse. Ele filma as cenas com grande destreza e muitas vezes move a câmera de um modo que nós associamos com os realizadores mais sofisticados.
Tal como as pesonagens deste filme, Naruse também veio de uma família pobre.
intertitles em inglês.

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Mikio Naruse

2011-11-30T22:43:00.000Z

Mikio Naruse naceu em Tóquio, em 1905, dez anos depois da invenção do cinema. Naruse realizou 89 filmes ao longo da sua vida, muitos deles perdidos no tempo, mas basta vermos algumas das suas obras para descobrirmos o quanto notável ele é.
A sua carreira começou a destacar-se no ínicio dos anos 30, graças aos seus primeiros trabalhos no cinema mudo. No entanto, Shiro Kido, o director dos estúdios Kamata tinha uma opinião negativa acerca dos “penosos” filmes de Naruse, que dizia: “Não precisamos de outro Ozu”. Cinquenta anos depois, a crítica europeia proclama Naruse como um magnífico realizador, na línha de Mizoguchi, Ozu ou Kurosawa, e referia-se a ele como o quarto gigante entre os realizadores japoneses.
As obras de Naruse têm a mulher como principal referência, apresentando-a como o elemento central de todas as suas histórias, como podemos comprovar em filmes comoo Okaasan (Mãe, 1952).
Quando Mikio Naruse falece em 1969, o cinema japonês perdia o seu último mestre clássico. Ozu, Shimizu e Mizoguchi tinham já desaparecido, Kurosawa abandonava a sua participação com Toshiro Mifune, Heinosuke Gosho filmara o seu último filme em 1968 e Teinosuke Kinugasa em 1966. Os anos 60 tinham já sido marcados por novas estéticas revolucionárias de um nova geração de cineastas comprometidos em alterar a serenidade (ainda que muitas vezes conflituosa) dos velhos mestres. Esse era o chamado Novo cinema japonês, que já tanto falamos aqui.
O último filme de Naruse, estreado em 1967 com o nome de Midaregumo (Scattered Clouds) fechava uma época. Coincidência ou não, o mais moderno dos cineastas clássicos era o último a despedir-se do plateau. O último plano desse filme - a magistral Yoko Tsukasa a despedir-se do seu amante num horizonte em que o sol se põe – resta como o epitáfio de uma geração na qual Mikio Naruse discretamente, e à revelia de uma fama extraordinária, se destaca como o mais actual, aquele que é necessário ver.
No Ocidente, ele tem sido descoberto através de festivais e mostras de cinema. Em Portugal apenas passou num ciclo que a Cinemateca lhe dedicou em 2009. Agora, vai finalmente chegar ao MOTM, com mais de 30 filmes que passarão por aqui nos próximos dias.

No mês de Dezembro, vou também homenagear um dos grandes realizadores americanos, Nicholas Ray, que também estará em destaque na Cinemateca. Ao longo do mês, e mesmo no meio dos ciclos, passarão por aqui alguns dos seus filmes que ainda não se encontram neste blog.
Vai ser um mês em grande.

2011-11-29T20:42:00.000Z

Bom, como muitos de vocês já se devem ter apercebido, o megaupload está inacessível em grande parte do mundo (incluíndo para mim). Como sabem, o megaupload é a fonte principal deste blog, por isso vamos ter de esperar até as coisas voltarem à normalidade, o que espero que aconteça muito em breve.
Podem ler mais detalhes aqui.

Até breve (espero eu).

Creepshow (Creepshow) 1982

2011-11-29T20:33:00.000Z

Em 1982, os lendários mestres do terror Stephen King e George Romero conceberam cinco contos terríficos, em tributo às BDs clássicas da EC comics dos anos 50. Um homem assassinado ergue-se da sepultura para comer bolo do dia do pai. Um meteoro faz com que tudo à sua volta cresça. Um professor oferece a esposa como refeição a uma criatura monstruosa. Um marido possesso enterra dois amantes pelo pescoço. Um milionário malévolo com uma fobia por insectos torna-se a presa de um exército de baratas.
Romero estava inspirado quando meteu as mãos neste projecto. Em todas as histórias, ele faz questão que o seu expectador tenha a sensação de estar a ler o filme em vez de apenas o assistir. Vários elementos das histórias dos quadrinhos são inseridos com regularidade. No início e final de cada história, a “revista” começa a ser folheada para chegar onde deve ser “lida”.
Creepshow tem um elenco pejado de estrelas como Hal Holbrook, Adrienne Barbeau, Ted Danson, Leslie Nielsen e Ed Harris.

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The Last House on the Left (The Last House on the Left) 1972

2011-11-29T20:24:00.000Z

Duas jovens são violadas e quase assassinadas por dois marginais. Tempos depois, um dos violadores vai parar a casa de uma das suas vítimas, exactamente no dia do aniversário dela. Pouco a pouco, os pais irão tomar consciência do que aconteceu realmente, e depois de assimilarem o facto, virá a vingança. Os pais da jovem planeiam então uma vingança macabra.
Ligeiramente baseado em factos reais e também num filme de Ingmar Bergman, este é, sem dúvida, um grande representante desse sub-género que é o slasher movie. Não é mais conhecido pois é demasiado forte para ser exibido em televisão aberta e a sua distribuição ao longo dos anos tem sido limitadíssima. Este foi o primeiro filme dirigido por Wes Craven, uma grande forma de começar uma carreira promissora. Doze anos depois, ele alcançaria o ponto mais alto da sua carreira, com o lançamento de Pesadelo em Elm Street. Como curiosidade, o vilão de ambos os filmes foi baptizado com o mesmo nome: Krug. Uma pequena demonstração da influência escondida dessa pequena obra da década de 1970.
De notar que o filme é produzido por Sean S. Cunningham, o criador de "Sexta-feira 13".

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O Bando de Jesse James (The Long Riders) 1980

2011-11-28T18:23:00.000Z

As origens, façanhas e o destino do bando de Jesse James é contado num simpático retrato à quadrilha de assaltantes de bancos composta por irmãos, que começaram as suas lendárias aventuras numa missão de vingança.
O notório gang de James Younger é o grupo mais famoso de foras-da-lei do país, assaltando bancos, comboios e carruagens com uma coragem que acaba por os transformar em heróis populares por todos os cantos. Mas quando a poderosa agência de detetives Pinkerton promete encontrá-los, esses criminosos terão que enfrentar um inimigo irredutível que não se deterá por nada até de vê-los atrás das grades... ou mortos! Só com a força da sua lealdade e dos laços de sangue é que os fora-da-lei terão hipóteses de sobreviver à brutal perseguição, traições inesperadas e amargos confrontos que os esperam na sua perigosa jornada.
Realizado por Walter Hill, considerado o verdadeiro herdeiro de Sam Peckinpah, e com quem já tinha trabalhado logo no ínicio da sua carreira, através do argumento de "The Getaway", este seria o único puro western do realizador, apesar de grande parte das suas obras terem traços deste género. O filme ficaria famoso por ter quatro grupos de irmãos actores - Dennis e Randy Quaid, Stacy e James Keach, Christopher e Nicholas Guest e Keith, Robert e David Carradine - a interpretar os verdadeiros irmãos neste retrato dos lendários bandidos do Velho Oeste.

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As Grades do Inferno (Brubaker) 1980

2011-11-28T18:07:00.000Z

Na prisão sulista de Wakefield, Henry Brubaker (Robert Redford), o novo director, chega disfarçado de prisioneiro e assim convive com os detidos, podendo apurar livremente todos os tipos de corrupções e ilegalidades que imperam nesta instituição. Quando ele se revela encontra uma oposição velada, pois as suas idéias reformistas contrariam vários interesses políticos e financeiros.
Na sua cruzada pessoal para reformar o sistema, acaba por se colocar em grande perigo, especialmente quando insiste em denunciar uma série de assassinios secretos que aconteceram alguns anos antes. Intenso e perturbador, Brubaker foi consagrado pelo seu realismo corajoso e por um argumento de W.D. Richter que conseguiu uma nomeação ao Óscar.A realização está a cargo de Stuart Rosenberg.

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Norma Rae (Norma Rae) 1979

2011-11-28T17:56:00.000Z

Verão de 1978. Em Hinleyville, uma pequena cidade no sul dos Estados Unidos, a maioria da classe operária trabalha numa fábrica têxtil, cujas condições de trabalho são intoleráveis. Lá também trabalha Norma Rae (Sally Field), uma mãe solteira que mora com os pais, que também são operários na fábrica. De repente, de Nova York chega Reuben Warshowsky (Ron Leibman), um sindicalista que, ao tentar arranjar um quarto, conhece Vernon Witchard (Pat Hingle), o pai de Norma. Vernon trata mal Reuben, assim como a maioria da cidade, mas isto não o impede de dizer que Vernon é mal pago e está a ser muito explorado. Entre Norma e Reuben surge uma amizade que cresce com o envolvimento de Norma na luta sindical, que se inicia quando ouve um discurso de Reuben mostrando as vantagens de serem sindicalizados.
Norma Rae é baseado na história real de Crystal Lee Sutton, que liderou uma campanha contra as condições de trabalho oferecidas pela empresa J.P. Stevens Mill. Oscar e Palma de Ouro de Melhor Actriz para Sally Field. Oscar para a belissima canção "It Goes Like It Goes". "Norma Rae" também concorreu à Palma de Ouro de Melhor Filme em Cannes. Realizado por Martin Ritt.

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...E Justiça para Todos (...And Justice for All) 1979

2011-11-26T15:08:00.000Z

Num sistema legal onde os acordos entre advogados e juízes estão na moda e onde por vezes um inocente fica desprotegido, o jovem advogado Arthur Kirkland pergunta-se onde foi parar a justiça.
Arthur (Al Pacino, numa magistral interpretação que lhe valeu a nomeação para o Oscar de Mlehor Actor) é um idealista, que se vê obrigado a defender um juíz (John Forsythe) acusado de violar e espancar uma jovem.
Embora Arthur saiba que o seu cliente é culpado, quando chega o momento do julgamento tem de escolher entre proteguer a sua carreira ou ser coerente com as suas ideias...
“...And Justice for All”, de Norman Jewison teve grande repercussão na sociedade americana do final dos anos 70, contribuiu para o acirramento da crítica ao paradigma positivista do Direito naquele país.
Lançado em 1979, como uma comédia, no entanto, a crítica recebe-o de forma ambígua. Se para alguns se tratava de uma comédia de “humor negro”, para outros não se tratava nem de uma sátira nem de uma comédia. O impacto do filme deu-se não apenas na crítica cinematográfica, como também na comunidade jurídica.
Um dos argumentistas era Barry Levinson, que por esta altura ainda não tinha começado a realizar.

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O Expresso da Meia-Noite (Midnight Express) 1978

2011-11-26T14:46:00.000Z

Billy Hayes é um estudante americano que visita a Turquia. Ao deixar o país, decide levar escondido consigo alguns pacotes de haxixe, prendendo-os debaixo da roupa. O seu plano acaba por ser descoberto e ele é preso no aeroporto. A sua vida transforma-se num pesadelo a partir daí, pois é brutalmente espancado e largado numa prisão degradante.
Quando espera ser libertado, é levado a um novo julgamento com efeitos retroactivos, que muda a acusão de porte ilegal para tráfico e o condena a uma pena de 30 anos.
Passados mais de 30 anos este drama carcerário ao ser revisto por novas plateias ainda choca pela brutalidade pela qual passa o alienado personagem principal. O filme sobre aprisionamento e não sobre fuga conserva até hoje uma aparência incomum de filme independente espalhando um libelo sobre a liberdade individual de todo o individuo preso num país estrangeiro. Grande parte da polémica ocorrida na altura deu-se pela história que critica e discrimina descaradamente a cultura e o sistema jurídico turco, porque a mensagem passada de forma controversa não nos mostra nenhum cidadão turco sob uma boa perspectiva. O filme nos aspectos técnicos contou com a sensibilidade visual do fotógrafo Michel Seresin que filmou com câmara manual dando um aspecto contemporâneo à fita.
O realizador, no seu segundo filme, é Alan Parker. O ano é 1978 e Midnight Express é uma das preciosidades cinematográficas do final da década de 70. A banda sonora de Giorgio Moroder tocava ininterruptamente nas rádios. Surpreendentemente estreado em Cannes com o passar das semanas torna-se um fenómeno de bilheteria em todo o lado. Chegou aos Óscares e sai laureado com 2 troféus (argumento adaptado de Oliver Stone e música), para além de nomeações para melhor filme e realizador.

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Cidade Viscosa (Fat City) 1972

2011-11-26T14:26:00.000Z

O mais consistente "pequeno filme" de John Huston, Cidade Viscosa conta a história de um boxeur (Stacy Keach) na curva descendente que, de acordo com os estereótipos de Hollywood, tenta um regresso mal sucedido, embora a sua determinação corajosa na derrota lhe ofereça uma espécie de transcendência. Tal como muitos heróis hustonianos, Tully perdeu a sua grande oportunidade, mas vê surgir uma segunda oportunidade para clamar por auto-estima. Contacta com um jovem boxeur chamado Ernie (Jeff Bridges), tornando-se o seu mentor e rival quando a dupla procura fazer "alguma coisa em grande". Ernie pode ser suficientemente talentoso para fazer carreira no boxe, mas também ele se torna vítima das circunstâncias.
Não há, sugere Huston, caminho fácil para a "cidade viscosa" que é o sonho americano. Com as suas sequências reais de combates de boxe, monótonos cenários californianos e uma representação de classe e discreta por um elenco talentoso, Cidade Viscosa oferece um retrato realista mas poético da obsessão demasiado humana de alcançar sonhos irrealizáveis de metamorfose e de transcendência.

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Corrida Contra o Destino (Vanishing Point) 1971

2011-11-25T18:46:00.000Z

Barry Newman é a estrela deste filme como Kowalski, o último herói americano, disposto a provar que pode ir de Denver a San Francisco de carro em apenas 15 horas. No meio do caminho, ele conhece um velho mineiro, uma mulher nua de moto e um disc-jockey cego que "vê" o perigo antes que ele aconteça.
Durante o trajecto pelas estradas americanas, Kowalski encontra-se com várias figuras bizarras, como o casal gay que apanha uma boleia e tenta roubar o nosso herói. Kowalski é um herói, mas não tem qualquer intenção de o ser. É a sua idealização por parte do animadores de rádio – e, por extensão, do público – que o transforma numa espécie de semideus daquela geração. Não por acaso, o motorista solitário, encontrará pelo caminho hippies, nudistas, homossexuais criminosos e pessoas sem destino – e, Kowalski, navegando estrada fora, apenas segue os trilhos da liberdade tão procurada por todos, até ao último ponto de fuga, a última possibilidade de seguir em frente, enquanto houver luz.
Este é um dos muitos filmes que se fizeram nos EUA na sequência do sucesso de Easy Rider.

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Os três Dias do Condor (Three Days of the Condor) 1975

2011-11-25T18:27:00.000Z

Joseph Turner é um pacato investigador contratado pela CIA para ler livros e revistas, procurando significados escondidos e mensagens em código. Um dia ele sai para o almoço e quando volta encontra todos os seus colegas assassinados. Agora Turner precisa de descobrir quem está por detrás do crime antes que os assassinos cheguem até ele.
Este filme foi lançado pouco depois do escândalo de Watergate, que terminou com o fim da presidência de Nixon, que renunciou. O clima que se fazia sentir contagiou a película frente a um público que acreditava que qualquer coisa do filme pudesse ser verdade por causa dos escândalos que surgiam a todo momento. Em época de Guerra Fria, era muito possível que qualquer coisa fosse considerada verdade em termos de política. Talvez esse seja um dos motivos que fizeram o filme ter sucesso naquela altura. Mas é o talento que faz com que ele ainda continue sendo muito bom ainda hoje.
Robert Redford e Faye Dunaway têm um excelente desempenho neste thriller intenso enquanto que a realização está a cargo de Sydney Pollack.

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Chacal (The Day of the Jackal) 1973

2011-11-25T18:13:00.000Z

O Dia do Chacal conta a história de um frio e calmo assassino profissional contratado pelo OAS francês para matar o general Charles de Gaulle. Sem nome e sem rosto, conhecido apenas pelo nome de código Chacal (Edward Fox), ele planeia sem remorsos o dia em que a morte do General vai chocar o mundo inteiro. A tensão aumenta, quando os metódicos preparativos do Chacal ocorrem paralelamente aos esforços da polícia em desvendar o mistério.
"O Dia do Chacal", antepenúltimo filme de Fred Zinnemann e a primeira adaptação para o cinema de um livro de Frederick Forsyth, é um thriller sóbrio, curiosamente calmo e emocionante ao mesmo tempo. É temperado com humor, ironia, romance, violência chocante, momentos dolorosos e demonstrações de sangue frio. Destaques para o elenco: além do protagonista Edward Fox, temos Michael Lonsdale como seu nemésis e as mulheres, Olga Georges-Picot e Delphine Seyrig. Paris é muito bem retratada nesta obra que conseguiu uma nomeação para os Óscares, de melhor montagem.

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Nova Geração (American Graffiti) 1973

2011-11-24T18:36:00.000Z

Anos 60, interior dos Estados Unidos, no final de verão, um grupo de jovens tenta curtir ao máximo a última noite de férias. Curt (Richard Dreyfuss) e Steve (Ron Howard) conseguiram entrar numa das universidade mais conceituadas do país, e agora vão ter de mudar de cidade. Enquanto que Curt tenta fazer a sua "despedida", o amigo Steve faz de tudo para convencer a namorada de que devem continuar juntos. Enquanto isso, os outros amigos têm uma noite de aventuras, envolvendo descobertas sobre o amor, a amizade, a família e a vida.
A idéia para este segundo filme de George Lucas partiu do seu amigo Francis Ford Coppola, que recentemente tinha concluído as filmagens de "O Padrinho", aconselhando-o a elaborar uma comédia de adolescentes passada nos anos 50, justamente para permitir a entrada de Lucas no mundo das grandes produções – o filme só veio ao mundo graças ao nome de Coppola nos créditos como produtor. Partindo de uma premissa tão ilegítima, abordando uma temática tão distante do que se convencionou ser a verve de George Lucas, nasceu um filme tão inspirador, autobiográfico, ousado e com uma linguagem tão original. Apesar de tratar-se de uma boa comédia, o argumento é apresentado de um modo absolutamente tocante, abordando a juventude de forma sensível e num tom crepuscular.
Tal como outros grandes filmes, o elenco de American Graffiti não continha grandes estrelas, pelo menos até aquela altura, mas o filme projectou as carreiras dos seus actores, e o tempo encarregou-se de tornar o elenco de American Graffiti grandioso. Foi nomeado para 5 Óscares, entre os quais filme e realizador.

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THX 1138 (THX 1138) 1971

2011-11-24T18:15:00.000Z

O primeiro filme realizado por George Lucas (de Star Wars) é uma obra psicadélica sobre um futuro asséptico onde a população é forçada a viver em grandes cidades subterrâneas controladas por computadores. Coisas como o livre arbítrio, religião, desejos e sexo são proibidos. Todos são controlados por drogas que reprimem os seus pensamentos e os deixam "dóceis" para fazerem as suas funções na sociedade de maneira que não interfira no "equilíbrio" das coisas. Até que o humano THX-1138 (Robert Duvall) com a sua parceira desafiam o sistema não apenas para defender o seu romance (que é proibido), mas para tentar escapar da cidade subterrânea e viverem livres no "mundo de cima".
Parábola amarga, "THX 1138" faz uma avaliação do perigo da crescente dependência de tecnologia nas nossas vidas. Mas o realizador não abandona a crença de que, mesmo o homem mais comum é um rebelde. E apesar de todos os aparatos tecnológicos de sedação e controle, THX 1138 revolta-se contra o sistema e recobra a sua consciência.
A supressão do indivíduo pelo totalitarismo do sistema ganhou uma dimensão nova neste filme. E não é dificil notar as profundas influências de obras famosas como "Brand New World" de Aldous Huxley e "1984" de George Orwell. Lucas foi muito corajoso ao fazer sua estreia no cinema com um filme tão "experimental" para altura.

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O Rebelde do Kansas (The Outlaw Josey Wales) 1976

2011-11-23T19:55:00.000Z

Um western verdadeiramente grande, e um dos melhores de sempre do realizador e actor, Clint Eastwood. Josey Wales é a típica personagem de Eastwood: um pistoleiro irredutível, sulcado por cicatrizes, obcecado pela vingança e um ás com o colt, que recusa render-se quando a Guerra Civil termina e se dirige para o Texas com hordas de desprezíveis caçadores de prémios no seu encalço. Embora o filme acumule uma contagem de corpos genocida quando Josey abate escumalha de vários tipos, desenvolve, por outro lado, uma surpreendente vaga afectiva, à medida que o seu herói perde gradualmente o seu estatuto de solitário ao reunir uma companhia de gente sem abrigo que finalmente forma uma comunidade no Oeste que lhe permite pôr de lado as pistolas e assentar.
O momento mais comovente em O Rebelde do Kansas surge quando Josey enfrenta um chefe índio disposto a massacrá-lo e lança um apelo para deixar o assassínio e continuar a vida. O discurso não só constitui uma mudança pessoal da parte de Eastwood como vedeta mas também um ponto de viragem na história do género western como um todo. O Chefe Dan George é maravilhoso como o divertido braço direito índio do herói. Imperdoável (1992), onde um reformado Clint volta a matar, é uma desesperada sequela temática.

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